• 盘点:奇特且有时尚感的建筑设计

    现代建筑充满惊奇,也有太多的建筑方案让我们看到不同形状和结构的建筑,令人吃惊不已。现在,向大家展示世界上的一些奇形怪状的建筑,不仅令人惊奇,还好玩且具有时尚感。法国尼斯Tete au Carre图书馆Tete au Carre图书馆是由建筑师Sacha Sosno设计,书面翻译为“盒子内的思考”。这个26米高的建筑是尼斯的一个中央图书馆,3层,位于一个“头”上。日本冲绳石垣岛的班纳公园观鸟台这个鸡蛋形的建筑是日本冲绳石垣岛班纳公园的一个观鸟台,是一个刚刚孵化的鸡蛋形状,还有一个鸡蛋形状的入口,能观察到迁徙候鸟的“足迹”。美国俄亥俄州的菜篮大楼这个菜篮形状的建筑是一个7层高、3万平方英尺的办公建筑,是制作菜篮的隆加伯格公司的办公大楼。这个建筑的特色是建有一个天井和2个提篮柄。美国华盛顿西雅图的音乐体验馆音乐体验馆是一个奇怪的博物馆建筑,展现流行音乐的历史、科幻作品和大众流行文化,由不同颜色的几个抽象形状的部分构成。德国不来梅宇宙科学博物馆德国不来梅的宇宙科学博物馆大约有250个展品。这个建筑是由Thomas Klumpp设计,建成了一个露齿的鲨鱼形状,周围的水边区域更加强了这一形象。巴西库里蒂巴的奥斯卡•尼迈耶博物馆另一个博物馆是巴西库里蒂巴的奥斯卡•尼迈耶博物馆,是站在基座上的一个眼状建筑。该博物馆的焦点是视觉艺术、建筑和设计。布鲁塞尔的原子球塔布鲁塞尔的原子球建筑是为1958年的布鲁塞尔世界博览会建造的。这个建筑是由André Waterkeyn、André和Jean Polak设计,是彼此相连的球体,看起来像是铁晶体的细胞形状,只是放大了1650亿倍。中国的生命之环中国的生命之环是一个中空的圆形建筑,已经完工。这个建筑是由3000吨的钢铁制成,并装饰有1.2万个LED灯,晚上可谓是灯光璀璨。立陶宛考纳斯的“1000”或纸币建筑立陶宛考纳斯被称为“1000”或纸币的办公建筑完工于2008年,是1925年1000立特纸币的形状。这个建筑是一个稍圆形的结构,用特殊的瓷漆喷上1000立特的纸币图案。中国澳门的新葡京酒店中国澳门新葡京酒店的特色是2个不同的结构,一个是高耸的结构,另一个是宽而圆的结构,整个形状看起来像一个巨大的菠萝。

    浏览:9 发布于:2017.09.22
  • 看了这些建筑设计 我的视网膜已受损!

    下面分享给大家的这些建筑设计一定要考虑好自己的承受能力,小心视网膜受损!1.冰山酒店,抬头就是壮美极光荷兰一家公司近日宣布将在挪威位于北极圈内的城市特罗姆瑟开发建设一家“水晶雪花”(Krystal)的酒店,由Dutch Docklands所设计。据宣传,这是“世界上第一座漂浮在海中的酒店”。整体外观像一片美丽的雪花,酒店拥有86个房间,只有乘船才能抵达。其全透明的玻璃结构能让你以极光为天花板,只要躺在床上就有机会欣赏到美丽的北极光。“水晶雪花”的设计目标是达到几乎能自给自足的标准,Waterstudio的创始人Koen Olthuis称其为“无痕发展”,他表示:“如果你在百年之后将其拆除,将不会留下任何物理痕迹。这是唯一能够将发展带进如此珍贵和美丽的海洋环境的方式。酒店拥有五星标准,将于2016圣诞节前对外开放。2.堆叠旅馆 像乐高积木玩具的建筑物这座名为InntelHotel的旅馆位于荷兰的Zaandam,已成为整个城镇的地标,原因在于其独特的建筑设计。建筑物有11层高、包括160间客房是一些传统尖屋顶房子的堆叠,设计师谈到设计初衷时说,大多数人都将旅馆看做临时栖息之地,他想藉由这样的设计来加强人们的这种观念,采用该地区的传统民居的典型的绿色木制外墙,最后呈现在人们面前的建筑让人感觉既熟悉又独特。3.空中酒店人造云由法国设计大师Jean-Marie Massaud设计的豪华飞船,可容纳40名旅客与15名服务人员搭乘。项目还得到了法国国家飞船研究中心的大力支持,预计2020年实现。身长210米,外形酷似一条白鲸。它由后面巨大的推进器驱动,时速可高达每小时170公里,巡行航速为每小时130公里,加油一次可航行4960公里,之后补充氦气体就能继续飞行。它也是一个移动的豪华宾馆,其中第一层面积500平方米,设有餐厅、酒吧、健身中心与图书馆,让旅客在欣赏天空美景之余,也能抽空享受种种的豪华设施。4.优雅与抽象的碰撞位于伦敦Mayfair区的Beaumont Hotel酒店向大众展示了它有着90年悠久历史的建筑外观。新添加的一栋附属建筑,由英国著名雕塑家Antony Gormley为其设计,这是一栋多层套间,与酒店战前优雅的外形风格形成对比。这栋名为“ROOM”的套间由多个不锈钢方格重叠而成,摆放的造型神似一位蹲著的巨人。远看仿佛一个坐在地上沉思的机器人,给人呆萌呆萌的感觉,抽象的风格也与酒店的art deco美学大相径庭。5.悬崖上的不平衡酒店西班牙OOIIO建筑事务所在秘鲁利马创作了一个倾斜的方体酒店,酒店正中还挖了一个方洞。其乖张独特的造型让人过目难忘。建筑师这么设计皆因用地内有趣的地形。用地所在的悬崖上无论以何种方式制造酒店都是一个突兀的存在,阻隔与海洋的视觉联系。因此干脆做到极致,将造型推向一个极端,让人们惊叹,并醉心从该建筑里欣赏海陆风景。拥有125间客房和餐厅、会议室、展览场所等功能的独特酒店各项设施一应俱全,有足够魅力引人前往。其中独特有趣的设计更是为酒店增色不少。6.酷似宇宙飞船迪拜水下酒店Water Discus酒店将把科幻小说《海底两万里》中的描述变成现实,让那些不会潜水又不会游泳的人也能体验海底风光。由波兰深海技术公司设计,水上与水下的碟形结构由3根粗壮柱状结构支撑,中间有电梯与楼梯衔接。基于安全考量设计为可移动的建筑,水下部分可浮出水面,以便修缮或迁到新的地点,有紧急状况也会自动上浮。水中部分延伸到水面10米以下,共有21间客房。每个房间除了有大片的落地窗及特殊照明外,还有微距摄影可供房客观察海洋里的大小生物。7.奔巴岛的海上漂浮旅馆旅馆由瑞典公司Genberg Underwater Hotels的Mikael Genberg设计而成。旅馆共有三层,最上层是屋顶/甲板,住客可在这里慵懒地享受着日光浴与海风吹拂。与海面齐平的中层是整个海上别墅的入口,设有休闲室与洗手间,至于深入海底四米之下的底层则为睡房。为了防止主体建筑随波漂走,底端每个角落都特别设有缆线固定在海床。海底中的睡房四面皆有大玻璃窗,让住客能够360°一览海中景致,自在地观赏各种各样的海洋动物与珊瑚礁。相信这个旅馆对于一众水上活动爱好者、海洋迷以及旅行者而言会是相当大的诱惑哦!8.跟着潮流走!新鲜的二维码情色酒店由时装设计师Antoine Peters设计,里面的窗帘、墙纸、床单和家具都是定制的,上面盖满了二维码,通过智能手机和其他设备扫描之后,你可以看到色情图片、文字和视频,美女图,以及其它重口味的东西。不过,这家酒店还是蛮谨慎的,只将一间客房装修成这个样子。9.看上海如何化朽为宝,洲际世茂仙境酒店位于上海松江的五星级酒店由英国知名建筑设计公司Atkins设计,高19层,有380间客房,建在天马山脚下一个深达近百米的深坑内。这个采石形成的深坑底部积了水,也意味着酒店下部将位于水下,这也是未来派酒店设计中的一个流行趋势。水下的两层楼中将建有一个水族馆和一个水下餐厅,还会有部分客房。10.高山上的太空舱如果你热爱偏远地区,小编推荐这个酒店给你,它名为“太空舱”是由伦敦Lovegrove工作室设计,建于海拔2100米高的美丽白云石山脉中的Piz la ILA地区,为登山者提供方便的休息环境。酒店直径大约为8米,为双层的玻璃结构,表层还覆盖一层特殊的反光涂层。因此,其外观可将周围环境全部反射进来,并使之丧失本来的物质形态。同时,登山者还可在任何天气条件下欣赏山上的全景。11.登山自行车旅馆Schambelan和Fromm连手在意大利设计了一座山地车旅馆。旅馆看起来像是建造在加达湖上方500米的山壁之上。旅馆有着很漂亮的弯曲几何形状,并和多条道路连结在一起。这家旅馆主要是用来招待阿尔卑斯山的极限运动爱好者。还体贴地为住客考虑,在每层都设有山地车入口,和山坡上的道路连通。每个房间都能容纳一个自行车爱好者,并为他们提供运动装备。

    浏览:9 发布于:2017.09.22
  • 20座被赋予生命的国外著名建筑,看后惊呆了!

    “好的建筑会影响它周围的环境,它会释放出某种力量,擦出互动的火花,其本身也是一座会呼吸的生命体”。来自英国的插画家、动画师Michael William Lester将20座世界著名建筑物赋予了生命,让他们“活”了起来,并根据各建筑不同的属性及特征,给予了他们各自的性格,让这些家伙看起来古怪又有趣~作品名为“Character Building”。1、Burj Al Arab Dubai(迪拜卓美亚帆船酒店)1999年开始矗立在阿拉伯海湾后,就一直没离开过水……#p#e#2、Brasília Airport(巴西利亚机场)机场在2014年世界杯前升级了更实用的航站楼。#p#e#3、Proximus Towers(比利时,布鲁了塞尔)调皮的兄弟俩。#p#e#4、Portland Building (波特兰大厦)波特兰大厦地处在一个蓬勃发展的创意社区,多读书才不会被落下噢~#p#e#5、Marina Bay Sands(新加坡滨海湾金沙酒店)三个巨人托起了世界最长的空中泳池。#p#e#6、Eureka Tower(尤里卡大厦)身为澳大利亚墨尔本的第一高楼,这家伙很自鸣得意。#p#e#7、Petronas Towers(吉隆坡双子星塔)友好地握握手,忘掉背后的分歧。#p#e#8、One Central Park(悉尼中央花园大厦)法国建筑师Jean Nouvel在较高的那栋上悬挑出一面世界上最大的定日镜,为另一栋的屋顶花园提供光照,仿佛一个妈妈在关照孩子的头发健康……#p#e#9、Scandic Seilet (挪威)多年谢绝游客的访问,看来是在逃避自我。#p#e#10、Kingdom Centre(沙特阿拉伯,王国中心大厦)作为世界第三高楼,加紧锻炼,争取早日变成第一高!#p#e#11、Camp Nou(巴塞罗那,诺坎普体育场)拥有99000名热情球迷的体育场。#p#e#12、Highcliff (香港,晓庐)2013年,它们在香港跑马地司徒拔道遇见了彼此,就决定再也不分开了。#p#e#13、Bitexco Financial Tower(胡志明市第一高楼)这兄弟渴望到寒冷些的地区住一段时间。#p#e#14、Coltejer Building(哥伦比亚,麦德林) 当地纺织业竞争激烈,Coltejer公司作为当地最大的纺织公司,睡觉都不安稳……#p#e#15、Ryugyong Hotel(柳京大酒店)朝鲜第一高楼,也是全球最高烂尾楼,1987年建成以来……sorry,好像一直没建成。#p#e#16、Lokhandwala Minerva(印度孟买)顶层拥有印度最奢华的住宅,不过……哪里是顶?#p#e#17、Wembley Stadium(温布利球场)这胖子从来就看不到现场直播,还好,球场的wifi信号还不错……#p#e#18、Hallgrímskirkja(冰岛,哈尔格林姆斯教堂)打开双臂,欢迎来到冰岛。#p#e#19、Tomorrow Square (上海,明天广场)波特曼为其设计了彪悍的外形以低于上海厉害的台风、雷电。#p#e#20、The Leadenhall Building(伦敦,兰特荷大厦)工作太辛苦,需要小憩一会。

    浏览:6 发布于:2017.09.22
  • 玩转创意!30个最佳现代住宅建筑设计方案

    经济的发展对于住宅的设计提出了新的要求,在满足舒适、安全的基础上,对于住宅精神物质和经济适用的要求也随着市场变化。以下案例在充分考虑住宅居住生活的舒适性、空间的适应性和安全性之上,对于住宅的整体风格和细节上的把控有着很独特的表达形式,将适用于不同的地理气候、生活习俗和文化传统。

    浏览:13 发布于:2017.09.22
  • 看脸的时代!萌萌哒立面表情包建筑

    你见过建筑立面“活起来”是什么样吗?放眼望去,一个个立面都长!脸!了。建筑师们,你们这样玩还让不让我们好好看建筑啦。#p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e##p#e#

    浏览:5 发布于:2017.09.22
  • 重磅来袭!影视剪辑实用技法干货大全

    今天的这篇文章是满满的干货,影视剪辑的小伙伴们有福了,超多的剪辑实用技法让你们借鉴与参考,对于初学者来说,真的是大大的礼物哦!影视剪辑者必备能力1、在有限的素材中找出最好的表情和动作的眼力;2、剪辑素材并发现它们与下一画面连接的剪切能力;3、运用影像和选择音乐的能力,以及制造旋律和情节的创造力。4、剪辑者还要赋予由连续的静止画面所组成的电影以跳动感,给影像注入生命。5、剪辑者会自然而然地在众多的镜头中找出最棒的表情,找出哪一点是剪切点,这就是剪辑的旋律感。与此同时作品的全貌也会在许许多多的摄影素材中慢慢呈现出来,透过素材看到作品应有的面貌。寻找剪切点的方法应该在哪些地方进行剪切和连接呢?寻找剪切点无疑是编辑者的重要工作之一,在这里需要注意这就是画面的顶点。所谓画面的顶点,是指画面的动作、表情的转折点,比如人物手臂完全伸展时,点头打招呼后低头动作结束时,球体上升即将下落时,收回笑容的瞬间等。影像是一连串静止画面的连续,因为前面的胶片在人眼中会形成残留的影像,所以胶片上的画面看起来才是动态的。因此,越是激烈的运动,在画面的顶点或者在动作开始的前一刻进行剪切,会在后面的胶片上产生强烈的残留影像的效果,给观众留下深刻的印象。产生旋律感的剪切点让我们以翻书的动作为例,看一下寻找剪切点的方法。如果从动作完全停止的状态开始拍摄,忠实地将翻书的动作从一开始拍摄到结束,这样观众一看就能知道是翻书的动作。但是,仅仅让人看明白是无法体现出影像的美妙之处的,旋律感和舒适感同样也不可缺少。那么究竟应该怎么做呢?我们把最开始的剪切点选择在翻书动作已经开始的状态,若把翻书这个动作分解成1~24个画面,那么就把最前面的3~4个片断剪切掉,作为开始的剪切点,这种改变对于理解翻书的动作没有任何影响。相反,还能表现出动作的旋律感和舒适感,这种剪辑方法也可以运用到其他影像中去。电影剪辑的正确方法不是只有一个有一点希望大家不要误解,那就是剪切点并不是唯一的。书页翻到中间时可以作为一个剪切点,翻书动作快要结束的时候也可以作为一个剪切点。根据作品的不同,前后画面的不同,剪切点可以有所变化,正确的剪辑方法不是唯一的。当然,剪辑也有其固定的形式约定,它们可以说是剪辑的规则。了解这些规则非常重要,但由于剪辑本身是一项富于创造性的工作,所以有时也会打破规则去进行一些新的尝试。剪辑的目的1、从物理制约中解放,自由控制时间和空间。·在摄影和制作中有时需要分割镜头,在后面把它们构成一个情节·在作品中省略故事中实际时间的流逝·省略故事中空间的移动2、结合演出意图构成剧情,确定作品的最终面貌。·有目的地进行镜头的连接,明确、强调想表达的内容·使镜头的顺序和结构更严密,突出情节性要素动作剪辑中的固定规则被拍摄物体为移动时的剪辑方法动作连接,是指对被拍摄物体的动作进行的剪辑。从前常常要因为更换胶卷而不得不中断对一个动作的拍摄,然而用不同的镜头连接起来的同一个动作,看上去效果却是出奇的流畅,给人以深刻印象,据说这就是这一剪辑方法的起源所在。动作以7:3连接 首先看一下动作剪辑中的基本之基本:“动作连接”。“动作连接”是指把一个动作用两个画面来连接的剪辑方法。从理论上来说,这两组影像只是画面大小上的差别,描述的是同一时刻的同一动作,所以从任何一点开始剪辑都可以。但是,这时会出现动作不连贯或重复的现象,最终剪辑出来的影像缺少节奏感。一般的影像剪辑方法是按照7:3或3:7的比例来连接动作,以达到动作流畅的效果。这样一来,不仅前后动作看起来连贯,节奏感和生动感也应运而生。当然,按照7:3的比例连接并不是绝对的真理。根据素材和剪切点的不同,人眼有时会产生重复、跳越的错觉。所以,故意将某些镜头剪切掉或是重叠起来,动作反而看起来更加自然流畅。可以在不同的影像中尝试着改变剪切点来看看效果吧。把两个动作连接成一个将不同的被拍摄物体的多个动作连接成一个,也就是通常所说的“单个动作剪辑”。下文是使用的范例:被打出本垒打的投手和一垒手回头看着飞出去的球。两位选手在同一时刻完成“回首”这一动作。要想充分运用素材,一定会采用这样的连接:打出全垒打>投手回头>垒手回头>远远飞出去的球。但是,采用这种连接方法,两位选手回头的动作就重复了,会给观众造成一种沉闷的印象。单个动作剪辑会把这两个回头动作整合成一个,通过剪辑来消除时间差。具体而言,就是在投手回头动作的前半部分进行剪切,连接上一垒手回头动作的后半部分,这样能加强速度感并使画面连贯。动作连接的要点:两台摄像机在相同的位置和角度拍摄出了两种不同大小的影像,如果是不同的位置和角度,也可以使用这一规则来处理。当然,如果素材不是同时拍摄而成的,只要改变一下角度,以某一动作的顶点(某一具特征性的动作)为剪切点,连接的方法会有很多种。例如,先拍摄球出手前的一瞬间,随后再拍摄出球后手向下收回的动作,然后把它们进行连接。以动作为中心进行剪辑时,必须注意几个方面的问题:①将时间看起来较长的镜头作为主要镜头。②考虑画面的上下左右,以免影响动作的连续性。③大幅度改变运用和摄像机的位置和画面的气势。④按照实际时间进行的连接看上去会比较拖沓,因此要压缩过渡动作中能省略的部分,特别是动作激烈的场面,镜头的长度要缩短。⑤同时拍摄而成的素材理论上可以在任意一点进行剪辑,但是要选择不同的剪切点,重复或省略一些镜头,动作会更为流畅。⑥同一动作使用不同的画面连接时,要尽量在动作的顶点处进行连接。有目的的重叠动作用以强调通过有目的的重复,用以强调某一动作,这种方法被称为双重动作或是三重动作。范例影像中,把投手手臂举到最高点的镜头作为剪切点,连接从前方、后方拍摄到的这一动作,最后再连接出球后手向下收回的侧面全镜头。这样一来,对于观众不说,动作可能并不是那么流畅,但是“出球”的动作重复了3次(三重动作),给人印象十分深刻。双重动作,只有当有意识地想要突出某一动作时才有效,而且要尽量精短,以免冗长。激烈的动作场面可能省略中间部分剪辑的目的之一在于时间和空间上的省略。如果按照实际时间的推移和空间的移动进行剪辑,再多的时间都不够表现,观众也会觉得冗长乏味。这时,比较有效的方法是抽取同一动作的部分中间镜头,然后连接组合,这种方法也被称为中间抽去手法。它的作用是能大幅度地缩减时间,增加影片的速度感,让观众百看不厌。运用这种手法时,必须选择抽去哪些镜头,这是难点所在。最重要的是不能剪切掉动作的顶点(特征性动作),手臂举到最高处、手臂放到最低点、最生气时的脸、笑得最灿烂时的脸等,如果抽去了这些顶点镜头,就无法了解动作会朝哪个方向发展。跳跃式剪辑发展了这一手法,它是中间抽去手法的一种,由戈达你创立,如唱机针般地对影像进行跳跃式的连接。跳跃式剪辑敢于打破传统剪辑的禁忌,使制作让人印象深刻的场面成为可能。动作的中间抽去手法通过抽去中间镜头来省略时间并突出速度感时,必须注意选择应该省略哪些镜头,最初状态、投球时手臂位置达到最高时,手臂下垂,仅用这3个镜头就能最低限度地表现了出投球的动作。连接FRAME IN和FRAME OUT画面被拍摄物体在拍摄框架中,这被称为FRAMEIN。反之,被拍摄物体离开拍摄范围,则称之为FRAME OUT。走路或奔跑中的人、动物、小轿车、电车,这些移动中的物体都可以对它们进行剪辑。我们一起来考虑一下怎样连接同一被拍摄物体在不同背景下的FRAME IN和FRAME OUT画面。自行车从镜头前骑过的场面,在不同地点拍摄两组同样大小的镜头。当然,我们可以按照从自行车驶入空舞台(镜头中只有背景,没有拍摄物体)到自行车驶出镜头的顺序连接。这样的连接方法没有错,但是空间上显得过于空旷,而且动作不够流畅。优秀的、有节奏感的动作连接方法是在前一组镜头是被拍摄物体即将离开拍摄范围时,然后连接上后一组镜头中物体刚刚进入拍摄范围的镜头。要点是使用被拍摄物体一半在镜头中,一半在镜头外的画面,这样连接动作看上去会比较流畅。如果被拍摄物体在前后两组镜头中的角度不同,在FRAME IN和FRAME OUT之间加入一帧空舞台镜头,画面前后会更为连贯。用暗镜头或共同点连接不同被拍摄物体的动作不同被拍摄物体的动作怎样连接?范例中是奔跑而来的人物和飞驰而去的汽车之间的连接,首先让奔跑而来的人物越跑越近,直至充满整个画面,使画面变成黑色,然后连接上后续的镜头。虽然人物的奔跑速度和汽车的速度不同,但是一来一往之间的黑屏(或者是光线很暗的镜头)成功地再现了流畅的动作。对话剪辑中的固定规则人物台词的剪辑方法,对话在这里就是指台词。对话剪辑是指对登场人物的台词进行的剪辑,它与动作剪辑并列为最具代表性的剪辑方法,是展示故事情节时不可或缺的因素。看起来简单的对话剪辑,其实也是一些用来表现特殊效果的固定规则。台词以1:3连接台词与台词之间,除去SE和BGM等之外,余下的就是无声状态了。对于影像剪辑来说,重要的是如何制造出这种无声状态,并利用它来表现影片的节奏。范例中是两个人在车上对话的场景,剪辑的关键在于两人的对话之间应该有怎样的间隔。一个一个的对话镜头都是用摄像机代替另一个人物拍摄而成的,因此两个人并没有进行真正的对话(=间隔)。剪辑时,如何制作出自然的对话间的间隔非常重要。一般来说,对话与对话之间的间隔按照1:3的比例进行连接会比较连贯。如果前组镜头中台词结束后所空的间隔为1个长度,那么在后续镜头中的对话开始前就要空出3个长度的间隔。台词的上移下移,增加戏剧性效果对话的上移下移,即将台词部分插入前一镜头(上移)或拖入后一镜头(下移)中,它的作用在于突出人物因对话内容而产生的表情和动作的变化。例如:A先生被某人叫住,B先生向他打招呼说“你好,A先生”,将这一部分上移,随后出现B先生的镜头中再插入上移了的A先生的台词,“这不是B先生吗!”。 这样一来,整个场面就显得更为流畅和连贯了。例如:将前一镜头中的“我有了喜欢的人”这一关键名下移,突出表现在这句话的影响下男主角的表情变化。这是这一技巧的意图所在。例如:为了突出女主角在男主角邀请兜风的前后表情的变化,将男主角的台词上移,和女主角的脸部镜头一起出现。如果不上移台词,画面中中有女主角无声的脸部镜头,影片会显得很长,而且没有节奏感。并不是台词的长短决定镜头的剪切,而是要一边考虑情节一边进行有目的的剪切,这一点是至关重要的。使用嵌入的蒙太奇手法表现心情要想让上面的场面更戏剧化,可以使用在台词之间插入其他镜头的方法。比如,露出一点后续的镜头,这样也是可以的。前组镜头中女主角的台词说到一半时,插入男主角的脸部镜头,这样不仅能表现出男主角在听了女友的回答后强烈的表情的变化,更是能强调之前平静愉快的状态。非动作和台词的剪辑方法:场景转换和制造连接点初学者可以使用传统的O.L方法柔和地过渡镜头O.L(OVER LAP重叠摄影)与淡入、淡出一样,是非常常见的过渡效果,表示时间的流逝和空间的移动,也可用于表现心情,类似的过渡方法还有抹拭法、消散法等。用遮蔽物连接不同场景:换窗换窗是指被拍摄对象的前面有遮蔽物时,通过用遮蔽物遮挡画面的方法来过渡到后续镜头的剪辑方法。遮蔽物大体上可以分为两种,不可动遮蔽物(墙壁或是其他很大的东西)和行人等可以动的对象。两者本来都是可以直接连接的,但是使用遮蔽物连接显得更加自然。用模糊画面连接不同的场景聚集和不聚集是指把模糊的图像渐渐合成清晰的图像,或把清楚的图像渐渐变为模糊的图像。因为它是非常抽象的画面,所以用它来连接两个不同镜头时非常自然。但有一点需要注意,如果前面的图像和后面的图像在颜色和图像上没有共同之处,最后做出的结果看上去会很不和谐。比如说,从红色的玫瑰转到警车的信号灯,或是从一个人的脸转到另一个的脸等,模糊画面连接的应该是具体的场面,在舞台或被拍摄对象在颜色和形式上有共同点时才能使用。用运动造成的模糊效果连接镜头快速移动拍摄是用极快的速度左右(也可以是上下)移动摄像机进行拍摄。使用这种方法的时候,会出现模糊的效果,连接不同的镜头。这种手法给人以重视空间移动的印象,注意应该使用非常短的快速的镜头;如果使用了冗长的镜头,就很难作为场景转换的连接镜头来使用了,注意不同场景中的背景也应有较大变化。用一样的风景来连接镜头空切是在连接同时进行的两个不同场景时,在前面的镜头中将摄影机抬起拍摄天空,再将摄影机落下变为其他场景的镜头剪辑方法,不是蓝色的天空也可以,可以使用月亮、太阳、星星等。两个镜头中的场景可以离得很远,但是一定要有共通点(如大海)。用曝光效果连接镜头像用强烈的闪光灯来拍摄一样,用闪光(快速闪光出现的完全白色的镜头)来连接不同,镜头的方法叫做闪光效果。即使连接毫无共通点的镜头也能做到完全没有不和谐感。广告和音乐电视中经常用到这一手法。用分割画面过渡到后续镜头一般做法是将同时进行的镜头分割后放在一起,如果不这样做,观众会很难理解画面。将镜头的右半部分分割出去,插上其他镜头来构成整个画面的,在表现同步的事件时是非常管用的。其他有代表性的剪辑方法影像产品可以说是蒙太奇的集合最后介绍的是CUT BACK(回切)等有代表性的剪辑方法,剪辑师可以通过不同的剪辑方法,使情节、登场人物的心情,以及影像的含义等有很大的改变,有的作品甚至由此出现了180度的大转弯。蒙太奇就是通过画面的组合来产生出故事性的,这里向大家介绍这种效果非常好的剪辑方法。让同时进行的不同镜头交替出现让在不同场所同时发生的事情交替出现,这叫回切(也可以叫做交叉剪切)。回切在强调场面连续性的同时,增强紧张感和表现力。通过改变镜头的摄影速度(慢动作),可以使情节表现力更强。在回切中让不同场所的镜头交替了出现,最后双方出现于同一场所,这种方法效果会更好。例如:约会迟到了,快速跑步的男性镜头与在约定地点等待的女性镜头交替出现。最后,无论是两人最终见面,还是男性没有赶到,女性一个人去逛街,镜头效果都会很好。与回切相近的剪辑方法还有回闪(Flash Back),回闪是在表现登场人物的回忆或心里描写时,插入很多超短镜头。当连接很困难时,插入黏合剂似的画面切出(Cut Away)是像黏合剂一样连接前后镜头的剪辑方法。它是一种反传统理论的方法,在连接尺寸相同的两幅画面时全观众以很大的震撼力。例如,拍摄两个人在咖啡厅的情景时,并不是把两个人的特定镜头连接在一起,而是在中间插入咖啡方糖的镜头,这样影片显得更有节奏感。只要插入的镜头拍摄的是前面镜头中出现过的物体就可以。例如:把女性看宝石的镜头、宝石的特写镜头和她在其他商店购物的镜头连接在一起。请大家自己感受一下,如果没有这个宝石的镜头,在节奏感和震撼力方面给观众的感觉有什么不同。用不同框架的镜头连接,产生节奏感!放大和缩小是给普通镜头带来新奇感的很常见的方法。将框架不同的心情镜头(一般是可以表现人物心情的特写镜头)与场景镜头(状况镜头,一般是远镜头或超远镜头)阶段性地连接起来,通常的做法是分成3个阶段,注意不同镜头的框架是不同的。例如:一个分3次接近一个吸烟男性的镜头(放大),也可以分3次将镜头逐渐拉远。如果使用同样的框架单调可以使用这种方法,从电影看“回切”的奇妙之处回切,就是使两个或两个以上的不同场景镜头以某种关联出现的剪辑技巧。这种方法看上去似乎很难,实际上我们经常可以在电视剧与电影中看到,它是一种非常普通的剪辑手法。比如,打电话的男人和女人交错出现,这是很常见的镜头,但它使用的就是回切方法。回切的优点是让时间的流逝重复出现,给人以更加接近电影的时间感。比如描写杀人犯以及追捕他的警察的时候,用回切的手法会使影片进入并提高速度感,给观众以更高的紧张感,《沉默的羔羊》中的情节就是用回切的手法巧妙地展开的,回切的手法可以赋予镜头新的含义。比如,希区柯克的电影《捉贼记》中的情景:凯力.布兰德和格蕾斯.凯莉在旅馆的房间里交谈的时候,窗外放起了烟火为。这里的烟火为了隐喻两人的恋情,对烟火煌镜头进行回切,使得影片的情节更有表现力。在克波拉的影片《地狱默示录》中,回切又变得有几分哲学意味了。在温拉德刺杀卡特大佐的画面中插入了原住民用牛祭神的镜头。这个镜头冰大容易理解,但是克拉波是从文化人类学的角度来制作这个场景的。

    浏览:13 发布于:2017.09.22
  • 剪辑专访:高分美剧,如何剪出来?

    如果你想成为电视剧剪辑师,那么你将会非常嫉妒凯莉•迪克逊(以下简称KD)。迪克逊作为助理剪辑参与过多部电影剪辑,如《落水狗》、《心灵捕手》和《寻人密探组》等,他累积多年经验,终于坐上电视剧《绝命毒师》的剪辑师位置。她也曾经参与剪辑《风骚律师》、《行尸走肉》和迈克尔•曼执导的试映集《马场风云》,包括最近引进的AMC连续剧《传教士》, 目前刚完成亚马逊网《乐在其中》试映集的剪辑工作。这是非常有料的一期访谈,讲诉了美剧剪辑的工作方式,以及剪辑师的创作想法,不管是影迷还是专业人士,看完都会大有收获。为什么你会对剪辑感兴趣呢?KD:大学时我读的是新闻专业,其中有门课程是广播课必须进行剪辑,就是那个时候开始学剪辑的。之后,我去了好莱坞,当时很希望成为广告撰稿人。在亲戚的介绍下我成为了《三十而立》剧组的制片助理,当时是想在片场工作,但是我的工作职责是在各个部门间传递文件,我发现剪辑师的工作时间表是最长的,工作也最有趣。更重要的是,剪辑工作需要持续几个月,他们必须参与各种会议,和制作人员进行沟通,所以我觉得剪辑师是我最想去的岗位,因为能真正参与塑造电视剧,你也能真正了解编剧、导演和制片人的真实想法,而片场工作则比较枯燥无聊,所以我认为剪辑师的工作更好更酷。在这剧组时,我的一个导师开始让我剪辑场景,他教我如何使用软件,并且赞赏我的剪辑作品,我才发现他原封不动使用了我的作品。真是了不起!你说“剪辑师工作时间更长”,这听起来并不好,但是你觉得这是件好事,是吗?KD:是的,我并不想陷入每个月都要找工作的状态。如果你是电影剧组里的工作人员,假设电影会拍摄25天,拍摄结束后你又得再找其他工作了。但是剪辑师的后期工作要持续数个月,当电影开拍的时候,剪辑师、剪辑团队、后期制作的工作也开始,然后接下来还要再工作上几个月。你目前是正在剪辑《传教士》吗?KD:不,我只是剪辑《传教士》的试映集。去年5月13日的时候开始剪的,花了大约2个月。《传教士》剧照我们来谈谈关于剪辑试映集,时间安排是怎样的?有多长的拍摄期?制作导演剪辑版需要多长时间?导演剪辑版有多长?制片人剪辑版呢?什么时候播放?KD:《传教士》的试映集比较长,这是由罗根和埃文-戈登伯格(Evan Goldberg)执导,可能18个拍摄日左右。剪辑师一般需要四天左右完成电视剪辑,很多时候给的时间并没这么宽裕,但是我需要这么多时间。那些家伙想要早点进来确认,我要求把他们挡在门外。虽然他们表示能理解剪辑尚在进行中,但是这是我首次为这个团队工作,我尝试努力给他们留下好印象。这是个非常非常复杂的剧本,有大量的大场面,直到最后一刻我还在着手处理这些场景。所以我真的花了很多心思。他们原本只给我三天时间,但是我要求四天来完成,所以他们四天后才进来确认剪辑效果。在我所经手的试映集中,HBO《马场风云》的试映集剪辑则不同于其他试映集,这部是迈克尔•曼执导的,给了我三四天时间完成剪辑。导演随后又花了四天时间制作了导演剪辑版。不过,很多时候这些导演同时也是制片人,所以他们倾向于和制片人一起协作,跟进整个进度。因此我进行剪辑工作的时候,导演也在场。谈谈你剪辑的实际过程吧。你是怎样观看样片的呢?观看的时候寻找些什么?如何进行剪辑?KD:我是在剪辑室里观看样片,使用多镜头模式(四路-分割)。拍摄时通常是只有两台摄影机:A 和B,但是有时候会多达三到四台。而通过多镜头模式,能在一个小方格里同时播放几个素材内容。现如今拍摄的场景很多,布景也很多,取景等诸如此类时也经常复位,通过单台摄影机镜头模式观看样片会难以进行剪辑,你可能利用四五个小时创造出许多价值,但是这期间我只能盯着样片中的一个场景。所以,我在剪辑《无耻之徒》的时候我开始采用多镜头观看的模式。这个剧组拍摄了非常多素材,每个单独布景都有很多条镜头,每个单独的布景镜头都是不同的。他们喜欢移动摄影机,使用多台摄影机通过镜头变焦、移动镜头拍摄同一条素材。我不可能在短短时间内消化那么多素材,所以我开始使用四路-分割模式观看,并且我能这么说,“我眼观四方,当开始着手剪辑的时候,我并没必要记住摄像师何时移动镜头,但是只要记住每条镜头就可以了。我说的有道理吗?”《行尸走肉》剧照完全有道理。当然,由于你要分辨表现的差异,所以你采用多镜头观看的模式,对吧?KD:显然是在寻找多镜头间表现的差异。当我开始这项工作的时候,我就意识到观看样片也是有技巧的,我确信每个剪辑师观看分析样片的方式都是不同的,但是我发现我在这方面已经进化了,我很自信这是我所探索和追求的。我经常要求助理尝试每天剪辑一个场景,但是他们有时候会拖延到星期六再一次性剪五个场景,我向他们解释说:我这么要求的目的是希望能培养他们每天观看样片的习惯。这不仅仅是锻炼剪辑技巧:同时也是锻炼吸收能力,以及开始了解个人寻找的是什么、为什么要寻找,以及你将如何处理场景?两台摄影机拍摄的四个小时长度的镜头,需要两个小时观看完;而我今天需要处理三个以上的场景。所以如果你看到我正在观看吸收素材的时候,大部分时间我是边看素材边记住这是推拉镜头,那是什么方式拍摄的镜头等等,思考如何将这些素材剪辑成一个场景。剪辑进入更深层次时,我发现有些镜头更有趣,有些镜头可能揭示了什么,我就开始仔细关注角色表演,注意表演里的暗示,而到这时,我就会大概明白这场景意图表达什么,是哪个角色的主场,场景里的主体和客体分别是什么,我能注意到同一场景的细微差别。比如《绝命毒师》或者《风骚律师》的导演都喜欢拍摄很多广角镜头,他们很喜欢宏大的广角镜头,从高空50英尺甚至更高处拍摄,而我只能从镜头里看到如蚁般的人群在蠕动。我真的不需要仔细看这个广角镜头下拍摄的全景,因为我可能只会用这个场景一次而已。我也不会仔细听同步对白,因为反正也听不清楚。我关注的是位置,比如太阳在什么位置或者类似的。所以当样片里有类似的广角镜头并且有两个以上时,我觉得我就可以很快浏览过去,没必要花太多时间。《风骚律师》剧照今年《风骚律师》第一集有个场景是在酒吧里,吉米和基姆聊天的时候一直被一个讲电话的家伙干扰。这场景的样片长达九个小时,实际上如果把他们在包间谈话的部分也算进去的话,就长达12个小时了,后半部分有三个小时,前半部分是9个小时。我当时就懵了,“这什么鬼?!”我绞尽脑汁思考如何处理这九个小时。一开始看样片的时候我就看场景安排,场景里是两个人在亲密地聊天:基姆在质问吉米,吉米则表达他对未来的感受。而在吧台的另一边,有个家伙的聊天内容听起来很有趣,但是和他们的聊天内容毫无关系,所以只能将这家伙的画面做些处理,从他人的视角看这家伙,整个画面拆成零碎的几个片段。你是使用剪辑软件对这些内容和镜头运动做标记的吗?或者你都记在脑袋里,或是在纸上做笔记?KD:我比较懒,全凭记忆力,我是不怎么做笔记的。有些场景涵盖着很深的意味和潜台词。碰到这种场景的时候,我不会立马进行剪辑。为了观看分析这种场景我可能会坐上一天左右。你知道当你碰到这些片段的时候,你会想通过剪辑把他们进行整合,使这个场景看起来意味深长,使每一丝情感都在镜头里蔓延。谈谈和制片人合作开发剧中人物关系的例子。KD:我现在会和导演、制片人和编剧在剪辑室讨论,关于人物的性格特点和人物的目的。有时候听到一些剪辑师、制片人或者导演表示不知道人物为什么有如此行为的时候,我感到很失望。人物的行为肯定都是有目的的。给电视剧剪辑的时候,肯定也要了解人物和剧情走向,如果不知道剧情走向,就没办法做出明智的决定。当我们在会议室里讨论的时候,谈话内容听起来有点像是编剧和制片人间的插科打诨。但是作为一名剪辑师,我会试图站在编剧和制片人的角度希望能指引做出正确的判断:“比如这个角色不那么富有同情心;或者这个角色在这个场景应该表达出高兴的情绪。”然后我想,“目前这个场景并没有能够表达他开心的镜头,那么我就会在其他场景里做弥补。”角色在不同镜头里的性情是不一样的。演员每次的表现也是不尽相同,你选择使用哪条镜头同时也是在操纵角色的表演,通过剪辑塑造角色?KD:了解手头的素材、了解剧本、了解角色、了解整个场景想表达什么都是非常非常重要的,而不仅仅是简单的把几个画面拼凑起来,看起来很酷就完事了。《乐在其中》我最喜欢的一个场景是20多岁的女主Jules(劳伦•艾波罗丝饰)在上一堂表演课。我们作为观众置身场景中,浑然忘我。我们看到Jules感觉很不舒服,听到有个声音大声发出命令。Jules貌似正在表演淋浴场景,她的老师在全班面前要求她清洗身体的隐私处。他持续地发出命令,女主尴尬万分无所适从,于是他意识到女主还不够开放大胆且较脆弱只能成为一个小演员。我之所以喜欢这个场景是因为我个人认为在这一整集中只有这一场我们作为观众确实和女主一样在经历这痛苦的一刻。当这场景一开始,我们无从选择,只能跟着女主听着这令人尴尬的命令,畏缩着感受她的脆弱。这一刻,我们不能回避,且无处可逃。观看样片的时候,我意识到这个表演课老师(在有他的镜头里他都表演极佳!!)有选择地在一些镜头中表现出他的刻薄和尖锐,并非所有镜头都是这样。并且我也意识到这很容易让我掉入将他剪辑得更为刻薄的陷阱中,从而让人更同情女主。但故事并非如此。那个表演场景是关于让Jules了解她自己,使她意识到表演并不适合她,而老师的所有评价也都是正确的,无论多么刺耳苛刻。因此我刻意另外选取了该角色不那么刻薄的镜头,从而使他的个性更为丰满。这个场景里蕴含着很多潜台词,这是我所经手过的,研究上一天,几天后再着手剪辑的场景之一。在这场“反派”的对白中你使用了很多面部特写镜头吧?KD:没错。女主表演得很棒,我就采用了面部特写镜头。但是当镜头在她身上时,我同时接进老师的声音,听起来比较柔和的,使老师的评价听起来比较中肯。你通过弱化他的整个角色的方式使观众对角色有个正确判断?KD:确实如此。我选取了几个他不那么刻薄的镜头接在她的画面中,使这个场景呈现出女主在了解自己的过程,而不是这个表演老师是一个混蛋。所以你剪辑的时候需根据场景目的来,而这场是让女主了解自身?KD:是的,不过有趣的是在样片里并不是很明显,剧本里也没有特别说明。看第一眼时,这场景让我非常不舒服,但是我意识到这场景其实蕴含了很多潜台词。我就觉得该好好研究一番。观看样片后,你是怎么处理场景的呢?立马投入剪辑吗?KD:我经常会寻找第二种方式处理同一个场景,因为这能让你对素材保持新鲜感。但当导演进来让你扔掉这个素材,而直接使用他们专门设计的素材时,你可能就不会使用它了。但是我发现如果你持续寻找其他方式保持素材新鲜时,很多时候导演会说“我并不想这么做,不过确实有趣。”我发现我所敬仰的剪辑师会采用有趣和不寻常的方式使用那些看起来常规的镜头。我尝试在自己和他人的作品中发现这些亮点。当审阅助理的作品时,我会寻找是否有让我眼睛一亮之处,是否有出乎我预料之处。你当然可以保持剪辑手法一成不变,像路人一样平淡无奇。当着手处理我喜欢的事情时,我会觉得“天啊!这太可怕了,这个地方处理得不好,我要做些调整。”所以我经常会尝试其他方式处理同一个场景,培养观察其中的差异。当我观看到样片的二分之一的时候,大概就会形成该如何处理场景的想法,像是“这个镜头怎么处理能烘托这个故事?这个说明了什么?这个宽镜头要表达什么?”剪辑不仅仅是把几个画面简单地拼凑在一起,剪辑是要把整个故事凝聚在一起。开始投入剪辑的时候,如果发现类似之前我们谈及的餐厅的场景,对我来说要处理的一个大问题是“我要如何在吉米和基姆谈话的时候,将画面切到坐在吧的另一头的那个滔滔不绝的家伙?”这家伙是场景里最大的目标物之一。自如切换这两个画面非常考验我的剪辑技术。你是怎么从助理升为剪辑师的呢?KD:我为《绝命毒师》做的试映集剪辑,当这部剧被选中之前,我就被提升为剪辑师。之后就为被选中的节目进行剪辑。现在提升助理的速度简直太疯狂了,很多时候我能很清楚地分辨新手和老手之间的差异,通常是从他们处理一部真实的故事的方式来判断,不只是看他们整合的画面,而是看他们直观地讲述故事的方式,是具有深度的,还是华而不实的。我们在多探讨下这个问题,你觉得你在讲故事方面做得如何呢?举例说说你在这方面所展现的能力吧。KD:我在《绝命毒师》剧组工作时,很有意思的一件事是能近距离观看剪辑师Jessie和Walt工作,那时所学习到的知识一直运用到现在。我最喜欢的镜头之一是侧面镜头,因为大多数时候侧面镜头并非是任何人的主观视角。侧面镜头意即你就站在某人的旁边,很亲密的位置上。作为一名剪辑师,你使用这个镜头即是把观众放置于一个无人所在的角度,就好像是在分享一个秘密或者好像是和演员在分享亲密的空间。另一个窍门是:《绝命毒师》剧组很鼓励我们进行创意性剪辑,我们也开始任意发挥自己的创意。在《绝命毒师》剧组时,我曾经有意剪辑出一开始不同步,再慢慢发展成同步的效果。《风骚律师》第二季我也采取了同样的剪辑手法。这是一场基姆打电话招揽生意的场景,而每个客户都回答“不 不 不”。针对这场戏,剧本上很常规地按顺序写着她打电话、和客户沟通、再删掉便利贴上的名字。而我直接把这些通话糅合在一起,各种通话声夹杂。导演很欣赏这个片段,但是我想当编剧看到的时候大概会觉得不满意。编剧会这么写自然会有他们自己的想法,而我也尊重并完全理解,因为我也是个编剧。我从做过的采访中听说一旦你开始尝试剪辑的时候如果是他们希望你按照他们的想法而不是按照你的想法剪辑的话,你就会像是成了一条咸鱼了。KD:是这样。我时常得提醒我自己,要相信自己的直觉,只需要跟着自己的直觉走。这个行当真的很多业务都是基于信任。你必须相信导演和制片人,你必须相信演员,你不会想对他们指手画脚告诉他们该怎么做。看过他们之前的表现和成绩,你会说“我喜欢你之前的作品,我希望你们在我的作品里好好发挥。”他们也对我之前剪辑的作品,比如《绝命毒师》、《无耻之徒》、《马场风云》或者《行尸走肉》等等表示很喜欢,所以他们也不会想指导我该如何剪辑。希望他们能够说“我找到了这个岗位的最佳人选”,于是我来了,而他们也对我的作品表示满意。这样难道不是很好嘛?是的。KD:如果他们对剪辑结果不满意,还有我这个得力助手在,可以通力合作解决任何问题。一旦你意识到这点,就可以跟着直觉走了。我刚结束和大导演迈克•内威尔(Mike Newell)的合作,我按一贯的方式剪辑,他几乎没对剪辑做任何改动,我俩四天里基本上只是随机播放场景,这太不可思议了,因为这都是些棘手的场景,其中一个场景的样片时长有7个小时,我花了三天时间剪辑。我最不希望的事情是我辛苦的成果被推翻重做,你懂的。我们愉快地结束了合作。这次作为亚马逊网试映集剪辑师和内威尔一起共事是我经历过的最愉快的合作之一。对即将成为剪辑师的后辈有什么忠告吗?KD:计划剪辑场景时,剪辑师应该深入了解角色的行为目的。总有那么一小部分素材是不得已要删剪的(演员、摄影机不配合),或者只是你感觉需要这样做。开始着手剪辑前先观看、研究分析样片,主要是为了了解角色、动机,以及每个场景的含义。在研究完场景之后,需要能够回答以上这些问题,否则剪辑的时候自己也只是云里雾里,不知所以。可能你的剪辑思路和编剧、制片人和导演会有所不同,或者他们之间也可能意见相左。很多时候我发现他们写出来是同一件事,但是开拍之后,内容可能比原来丰富许多,或者完全不一样了,这时候你必须抛开先入为主的观念,在新的语境下重新审视这个素材。大多时候,导演、编剧和制片人都会很不愿意看到这种结果,希望能按照最初的意图进行剪辑。但是我觉得我有责任从素材中发现多种可能性,在这过程中我的处理手法也培养得更全面。另外,时常分析故事场景和角色的动机。总而言之,作为剪辑师,需谨慎选择剪辑方式,剪辑毕竟是为角色、为故事服务的,有时你可以将场景剪得很酷炫,但是大多数时候是为了讲述一个故事。你们选用什么临时音乐呢?剪辑素材时同时编辑音乐吗?你是怎么处理歌曲和配乐的?KD:制作《绝命毒师》和《风骚律师》剪辑时我们并没有同时处理歌曲,除非我们正在做蒙太奇之类的。导演文斯•吉利根开始执导《X档案》时就发现如果一个场景不加音乐不行,那么加了音乐也不行,他也发现从其他电影中选取音乐作为临时音乐也是纯属浪费时间,我们直到锁定剪辑后,才去处理音乐部分。这个时候,作曲家和制片人探讨了剧情后着手写原创音乐。这两部剧的配乐比我见过的大部分电视剧都少。而其他我制作过的电视剧,尤其是试映集,则是另一番景象了。几乎每个场景都要加上音乐。我个人并不喜欢一部剧里有太多的配乐,特别是非常戏剧化的片段,感觉加上音乐后场景都被音乐带着走了,失去了本来的分量。一个场景如果没有配乐会显得更真实。但是,在任何项目上,你都必须适应制片人的审美。另外,我比较质疑的是音乐的合理性,尤其是前景音乐作为配乐的合理性,这种质疑主要是来自吉利根—BB学派。我们试图在场景里添加音乐的时候都非常审慎,包括音乐的来源、如何开启和关闭、播放的音乐是什么、播放周期是否正确等等。剪接和衔接的时候声音设计有多重要?KD:声音设计超级重要!我不确定你说的这个部分。我很幸运过去几年身边有个得力助手,克里斯•麦凯莱布。他现在(不幸,因为我)自己在单干,我很为他骄傲。我在制作《马场风云》试映集时遇见他的,最后招聘他一起制作《绝命毒师》最终8集。我们四次得奖,两次获艾美奖提名。他是个非常出色的声音设计师。当我还是助理的时候,我这方面也很出色。作为剪辑师,很重要的一点是要会沟通场景的声音需求,让助理自行发挥创造力,助理则必须敢想敢做。并且你只有一次真正的机会说明你想让场景达到的效果,所以你必须抓住每次机会。什么影响你的微观节奏感呢(镜头到镜头/ 按场景节奏)?KD:听起来可能比较奇怪,但是,是……我的心。我是一个凭感觉走的剪辑师。我并不是按照两帧画面或八帧画面的方式剪辑的…我是按照“这里需要一点修整”…“不,要修整多一点”这样来凭感觉剪辑的。我一直很好奇那些剪辑时按照帧数来思考或判断的人。在BB剧组时,吉利根曾跟我说明过他的步骤,他是按照每秒几个片段来思考的,每秒24帧画面,半秒12帧,三分之一秒8帧等等。而我只是按感觉办事,我剪辑的时候喜欢长镜头,让画面一直走直到我觉得足够长,后期处理的时候再适当剪辑。但是我也喜欢强调突然的移动或说话时的突然停顿,使得场景更流畅、自然和有推进力。你做剪辑有规矩吗?什么时候剪辑呢?KD:所以现在我是在泄露我的小窍门咯!其实并没有什么规矩,除了避免太枯燥无趣,让人一眼就看穿剧情。如果演员某些行为演绎得较突出,则可利用起来。我喜欢使用宽镜头,喜欢在你们意料不到之处使用。我在BB和BCS里使用超级宽镜头的理念无非是为了表达两个含义,孤独或者力量。无限辽阔的背景下,一个人独自站着——孤独或力量。我不担心做得太出格了,但是我相信剪辑师应该知道什么时候做,为什么这么做。换句话说,我并不是毫不在乎我剪得太过分,只是认为这技巧很实用,有助于讲述故事。显然,精湛的技术并非一日之功,但是,通过厚积薄发,有时只需一招就能够打破观众的平静,对故事提起兴趣。你需要将素材制作得惊心动魄,引人入胜些。对白……人物反应…更多对白…更多人物反应…这种剪辑方式(简直是让人昏昏欲睡!!)我喜欢制作有推进力的剪辑,使场景更富活力。这也是我评估助理剪辑工作的基准。从一整集或一整部电影的宏观节奏和结构上看,什么争议点会导致场景或部分场景被删减或调整呢?KD:与其说我不知该如何回答,不如说所有一切都是为故事这个核心服务的。当一部剧寿命将尽时,你必须考虑造成这后果的原因;是否观众已预见接下来的剧情?剧情是不是太平淡了?是不是内容过于混乱?你能举例说说你是个会讲故事的剪辑师的事例吗?KD:当然是使用蒙太奇了。短时间内就能展示很多画面。比起常规剪辑,使用蒙太奇做出创意的机率会比较大。但是,作为剪辑师,你是第一个将电影制作成型的人。你发现电影里的亮点并展示他们,拼接各种镜头、决定每个场景的开幕和闭幕,决定带给观众怎样的观影体验,满意的、恐惧的、不和谐的、感情强烈的等等,将演员的演绎完美剪辑成一部佳作。 你能近距离或远距离地分析人物,研究人物的内心想法,运用各种动作场景演绎内心的情绪,形成多元化的电影风格。我们从文化或剪辑角度探讨下连续剧见的不同点吧——《传教士》、《风骚律师》、《奔腾年代》和《绝命毒师》。KD:《传教士》是根据漫画书改编的。虽然我之前听说第一季是要拍摄漫画前传,但是我只经手了试映集的剪辑,所以我并没有参加后续的会议。但是在试映集里,由于时间有限,剧情发展得相当迅速。实际上剧本中角色众多,环境丰富多彩,希望能更多地搬到荧屏上。试映集本应该是一个小时之长,所以故事讲述时间仅占43至48分钟左右。我相信试映集长度超过60分钟,导演剪辑版80多分钟。不过,在罗根、戈登伯格和卡特林导演看来我剪的试映集版本显然还是节奏太快了。BB和BCS则显得节奏慢多了。吉利根导演喜欢观看、感受和沉浸其中,他偏爱宽镜头,不喜欢镜头太短小——除非只是瞬间动作的画面。他喜欢的镜头表现形式电视上一般看不到,特别是电视网。他喜欢宽松的、覆盖面广的镜头,你看不到太多紧凑的特写镜头。我只在《奔腾年代》剧组制作了第一季,感觉他们当时正在尝试找出本剧的风格。很多导演进组后就各种风格一股脑地乱用。直到第二季时才在叙事上有了较大的转变,开始找到了自己的风格,导演、剪辑和他们的故事风格才开始搭调。同一部剧与不同的导演合作——显然是流水的导演,铁打的剧情主管啊?KD:BB和BCS则更像“家族式”剧组,BB续季的时候我们大多采用相同的导演。BCS剧组里有几个新面孔,不过我并没有和他们共事过。所有的导演都很高兴能和文斯、彼得 古尔德(Peter Gould)合作。在剧组里基本上不会出现导演自行其是这种事情。每个人都想加入剧组,所以大家基本都循规蹈矩地做事。据我所知,他们召开的会议经常持续6个小时或更久(我从来没去过任何一个!),比所有其他剧组开会时间都长。吉利根和古尔德在保证讲好故事和准确传达意图基础上,还对导演方面的创意非常感兴趣。所以我几乎和这些导演保持了较久的“战友情谊”。我们一起共事过好几次,很幸运的是其中大多数人很尊重我提交的作品,欣赏我对并列场景结构的构思等,即使这有别于他们的想法。虽然他们并不总是使用它,但是看来他们很认可这种思维过程。当需要和新导演在不同的电视剧或试映集合作时,都会使我忧虑。但是,这也是一种“健康的激励”(忧虑/激励——奇怪的矛盾语?)。我的意思是…因为我经常会担心“这样剪辑是他们所期望的吗”、“他们喜欢一直使用特写镜头吗”、“他们可能喜欢这个角色待在这个实景里的构图尽管另一个背景在我看来更好?”这些想法像幻灯片一样不断地在脑海里回响,导致你效率降低,直到你重拾感觉舒服的最佳状态,让直觉继续引导你做事。事实上,如果他们不喜欢你的剪辑,他们会告诉你。当然,如果你错得离谱,他们可能会直接开了你。不过,如果你一直让那些杂音影响你,你的最终作品也不会好到哪里去。我相信自己的直觉。我的审美超越了传统,并且我以此为傲。我也知道不是所有人都这么认为,这是很主观的看法。反正太在乎导演和制片人的看法也无济于事,不如从从容容做事——讲好故事。将自己对剧本的理解从角色的演绎中表达出来。我发现大多数时候,导演希望你按照你的想法做事。如果他们有不同或更好的建议,他们会告诉你并让你重做。好的导演会问你的看法,聆听你的意见,表示支持或反对。他们都是合作伙伴,值得你一直和他们“并肩作战”。非线性编辑(NLE)偏好——关于你喜欢和不喜欢Avid软件之处和其他选择的想法——我知道你使用过Lightworks辅助剪辑。KD:除了AVID我几乎不使用其他软件。过去,我开始剪辑的时候确实使用过Lightworks,也花了一年做技术支持,这是个相当好的软件,只是不能赶上研发的进度。而且似乎AVID的优点是可以在Mac平台使用,Lightworks是在DOS系统上使用而不能在微软Windows使用(如果我没说错的话)。我也不清楚……最终,AVID成为了领跑者,而我也不得不学习如何使用AVID,不过,电脑方面我一直在都很在行。但通过使用Lightworks我学了很多,比如如何检查电脑主机盖下面的情况,如何组装电脑等。我仍然是个Windows用户,主要是在苹果电脑上学习使用的这款软件,我当然也研究过苹果电脑硬件。我从来不使用FCP,因为从来没必要用到。而且我工作量也大,所以也没空学习其他软件。剪辑工作都大同小异,删剪、移动、修剪等等基本都是凭直觉学习操作。助理的工作相对而言反而较繁琐,组织、搜索、导入和导出,管理等等大多是较系统化的。我同时还听说FCP在修剪功能方面比AVID弱,这功能我挺常用的,所以对我也没有什么影响。几年前FCP还是有一定的使用人群的,但是我猜出了个新版本大家都不喜欢,所以才被淘汰了。再次声明,这只是我听说的一些谣传而已;但是当你听说某部有名的故事片的大剪辑师打广告声称剪辑全程使用的是某软件(不是Avid),大家都知道这个剪辑师是拿了代言费办事的,此时该软件背后的团队也已经准备好应对解决客户投诉软件出现的各种问题了。Avid我一直都用得很顺手,估计很多功能还有待挖掘。然而有件事我很无语。几年前某次更新出现了个问题,按下停止键的那刻画面并没有停止在当前页面。现在,你按停止或暂停键,系统会继续播放3帧画面后才暂停,以前都是立马暂停的,这简直让人抓狂。你在《绝命毒师》剧组是怎么从助理升级为剪辑师的呢?KD:我那时已经时刻准备着提升为剪辑师了。这一刻我已经等太久了!!尽管,我承认我花了好些年时间追逐我的“文艺故事片助理”梦想——当然,基本没有实现,所以我进了电视剧行业。但是提升也是需要正确时机的。这需要你的领导愿意让你参与剪辑工作,不会觉得你会威胁到他的地位,会鼓励你,告诉制片人剪辑作品中也有你的一部分功劳。同时,你也得有时间做剪辑工作,如果你持续不断地有脚本同步(啊!!)、视觉特效、特技效果、音乐、媒体管理、文书,导出等工作,那么即使是在下班时间或周末都很难有空做剪辑。此外,还得有渠道,像是有其他剪辑师要离开剧组,或者你的领导要离开剧组了,或者在片尾剪辑工作人员名单中也加入你的名字。要从助理升级成剪辑师,做试映集是不错的选择,如果电视剧被选上了,他们就需要招聘员工,通常试映集的助理是很有机会的。当我还在《三十而立》剧组做公共助理的时候我就开始做剪接场景的工作了,但是如果只是这里剪剪那里剪剪的话对训练度是不够的。我很幸运碰到的剪辑师都相当优秀,他们中大多数人都会给予支持和相信你(非常重要!!),所以我一直都找那些经验丰富且受欢迎的剪辑师(因为他们能获得好的工作机会!),进到让你有机会获得升职机会的剧组。2005年我的剪辑师朋友胡安•加尔萨(Juan Garza)招我到他手下做NBC网的迷你剧《启示录》,这项目我记得至少有5个剪辑师,三四个助理。我是在那儿认识的琳妮•威林厄姆(Lynne Willingham),她可是我心目中的英雄,她为《X档案》(The X-Files)做了五季的剪辑,她的丈夫克里斯•威林厄姆(Chris Willingham)虽然我没有见过但是也是我心目中的英雄,他当时正在为我最喜欢的电视剧《24小时》做剪辑。最后琳妮在为下一部电视剧《寻人密探组》工作的时候提供了个工作给我,我很愉快地接受了,因为我很喜欢和她一起做事。我也得以做很多剪辑方面的工作,所有当过她助理的人也都成为了剪辑师。这部剧后,我们紧接着做《寻人密探组》第四季和第五季部分内容。一开始我每天剪辑一个场景,然后是每天两个场景,到了第五季的时候我问她我是否可以开始剪辑半部剧,我需要建立个人风格、学习如何安排幕次的节奏和学习如何做场景之间的衔接。2007年2月吉利根致电琳妮邀请她做绝命毒师试映集,所以我也跟着过去了。我的计划是试映集的时候我能有很多剪辑工作,所以如果剧被选上了我也可以要求成为剪辑师。但是当时有很多声音方面的问题和许多声音特效工作需要做,所以我只能剪两个场景。其中一个场景是Meth Montage,事实证明做这一个场景就足够了。我还和导演吉利根、制片人卡伦•穆尔(Karen Moore)花了很多时间制作导演和制片人剪辑版,因此他们知道我的工作能力,我申请了剪辑师的工作,他们同意了,剩下的就是希望这部剧能被选上,不过我一点也不着急,毕竟这部剧很不错。AMC公司为该剧投入了很多资金,他们的另一部剧是《广告狂人》(Mad Man)仍然在制作中,还没发布,而且也没有其他电视剧参与竞争。我剪的第一集是“And the Bag’s In The River”,沃尔特在杰西的地下室杀了Krazy8,非常复杂难以剪接的一集,但也学到了很多。(注:本文转载于影视工业网,翻译:Shirley,原文:http://www.provideocoalition.com/ART+OF+THE+CUT-DIXON)

    浏览:10 发布于:2017.09.22
  • 罗杰·迪金斯:成功摄影师必备的10条准则!

    大师级电影摄影师罗杰·迪金斯大家并不陌生,他曾获得10几次奥斯卡提名,《肖申克的救赎》、《美丽心灵》、《007:大破天幕杀机》和自《巴顿•芬克》以来几乎每一部科恩兄弟的作品都是由他拍摄的。不久前,我们分享过迪金斯如何玩转中景镜头的文章,这次分享他的经验、智慧和观点。向大师学习,从这10个贴士开始。迪金斯很乐意和其他摄影师交流并提出建议。他常常在网上论坛分享他的经验、技巧并给出建议。相信当你开始你的职业生涯或拍摄下一个作品时,这些有用的贴士将会帮助到你。用大师套路玩转最难拍好的中景镜头1、项目有选择性在你开始一项项目之前,确保这个项目真正是你想做的,确保这个项目是能让你信服的。罗杰·迪金斯在一篇BBC的文章中提到,要有选择地加入项目,因为你将要在这个项目上花费很长的时间。我一向对加入的项目很挑剔。但我经常被人物类的剧本吸引,我对动作电影并不是那么喜爱。仔细挑选一项你将加入的项目确实是很重要的,你将会在一个电影剧组待很长时间。2、照明的重要性灯光对电影摄影师来说是很重要的。你对一个场景的打光如何能很大程度上影响观众对这个场景的感觉。实际上,罗杰·迪金斯说好的灯光始于脚本,当你选择色彩和灯光的时候要牢记这个。和导演讨论场景并了解他们想让观众们从这个场景中获得些什么。拍摄下部片子前,你要考虑的照明问题所以说,你需要打亮一个场景以便让演员能被看见。但更重要的是,你的工作是在创造一种氛围,你创造了一个演员们能够栖居、观众们能被感染的世界,在任何一部优秀的电影中灯光都是最重要的部分之一。3、对纪录片敞开怀抱当拍摄纪录片时,你必须脚步灵活。在任何时刻动作都有可能发生,你必须要用镜头捕捉到,这也正是帮助罗杰·迪金斯职业生涯走向成功的因素。你使用可用的光来创造一个手头上已有的事物。它会教会你如何在最快时间内找到最佳拍摄和讲述故事的角度,要关注你眼前正在发生着些什么。4、贴近人物和故事在大师级的作品中,并不是每一个镜头都需要有令人瞠目结舌的运动。有时你需要控制它,回到最基本,允许让人物和故事来驱动叙事,并保持观众的参与。没有比镜头中的光或者其他傲慢的拍摄行为抓住人注意力更糟糕的了,可能会有人说‘天哪,这太棒了’或者说这是一个很棒的镜头,很棒的调度或其他什么。但是这对一个电影来说这并不是必需的——你从电影中跳出来了,你注意到了表面,并且你不再走进角色和故事了。5、不对表演妥协一言蔽之:为了获得完美的镜头,不要对演员的表演妥协。相反,你要在你能力范围内最好地拍摄演员作出的表演。你会发现(正如罗杰·迪金斯在之前采访中所说),杰出的表演能掩盖住不佳的拍摄。一部电影可能因为其他工作而看起来糟糕,但会因为优秀的表演而看起来不错。这是值得记住的一件事。传奇电影人特伦斯·马立克在拍摄表演上享有很高声誉。他和摄影师艾曼努尔·卢贝兹基在拍摄《生命之树》时允许演员自由地移动表演,正是这样他们拍摄到了想要的影像。虽然一些场景是故事板,但大多数的镜头都是在非常真实的电影风格下完成的。6、找到自己的风格你很可能有一两个喜欢的大师级电影制作人,但是你要确保不是直接抄袭人家,你需要将他们的技术结合到自己的风格中,同时努力寻找你的电影的拍摄路线。如何跟随顶级摄影师的脚步,走自己独特风格你不能通过复制我或任何人来学习你的技艺,我希望我所能做的是在某种程度上激励别人。如果把我的工作当作“做工作的正确方法”,那我会惊讶的。7、技术是好,但不要忘记你讲的故事电影摄影师需要走在技术的尖端。但有一件事比每技术或设备更重要:那就是故事。没有一个令人信服的故事,你所有令人惊讶的拍摄都会变得充耳不闻。 我知道视觉效果是非常重要的,毕竟这是一个视觉媒介,但它不只是一个镜头卡在小小黑色盒子的前面,它是关于操作它人的技术,更重要的是它的故事,你如何执行它才是真正重要的。罗杰·迪金斯有一个非常类似的理念,已经在多个场合提到过,作为一个摄影师,讲故事仍然是你需要记住的最重要的事。他指出,尽管技术日新月异的变化,但它的构图和讲述故事的方式从未改变。这对任何的电影摄影师来说都是重要的一课。8、明智的选景场地,场地,场地!!!重要的事情说三遍。你决定拍摄的场景对于最终屏幕上的影片呈现是非常重要的。如果你只有较少的预算,那么找到最佳位置将是你的关键。但即使你有充足的预算,这建议同样的适用。因为选景场地将决定你使用的镜头、灯光和摄影机的设置。如果你在灯光上没有足够的预算,那么我建议的场地选择是最重要的一点。你可以参考泰伦斯·马力克导演的影片,他的片子很少使用人工光。9、每部电影是导演的电影首先,摄影师需要知道电影是一个协作的艺术形式。在一天结束时,他们需要负责为导演设想下接下来的制作。那作为摄影师就要选择沉默吗,绝对不要。你应该参与并提供意见和建议,正如罗杰·迪金斯所说,“每部电影都是导演的电影,我们绝不能忽视这一点。”导演的摄影课10、融入社会,多交朋友作为一名电影摄影师或电影制作人,你永远无法通过自己获得更多更好的东西。你需要通过社交来与人多接触,这种做法也将有助你的工作,因为与人有良好的互动,你就可以把这些经验应用到你日后的项目中。我所想要做的就是拍摄静态的人,或者拍摄关于人的纪录片,并试着向观众表达有人在你旁边。你知道我的意思? 我们都是人。(文章参考:premiumbeat,由电影摄影师整理编译。)

    浏览:8 发布于:2017.09.22
  • 图解:斯皮尔伯格的十种电影拍摄技巧!

    有多少人能说出还在世的获得两次奥斯卡最佳导演奖的导演名字?其中一位是李安,华人电影的最大骄傲,另一位则是斯皮尔伯格,好莱坞电影黄金时代的第一人。在四十年的电影生涯中,斯皮尔伯格触及过多种主题与类型的影片,既有思考战争与人性的《拯救大兵瑞恩》和《辛德勒的名单》,又有灾难冒险片《侏罗纪公园》、《大白鲨》,还有儿童题材的《ET外星人》,可谓综罗万象。比起丰富多变的电影题材,不变的是斯皮尔伯格炉火纯青的电影拍摄技巧。作为享誉世界的电影大师,斯皮尔伯格对于镜头和画面有着超乎常人的理解,而对于拍摄手法他总是匠心独具。有媒体曾经这样评价“斯皮尔伯格的电影拍摄技巧是当今世界最具价值的电影财富”,诚然,对于这样的电影大师,我们学习、模仿、创新是每一个学习拍摄电影的人的必经之路。一、推镜头推镜头是电影拍摄中的常用手法,摄像机镜头与画面逐渐靠近,画面外框逐渐缩小,画面内的景物逐渐放大,使观众的视线从整体看到某一布局。推镜头可以引导观众更深刻地感受角色的内心活动,加强情绪气氛的烘托。影片使用了85mm或100mm中焦距镜头来拍摄人像。当前景中的物体形状越来越大,镜头焦越拉越长;当镜头框架中的物体移动越来越快,镜头焦距越拉越长。二、跟镜头跟镜头是电影拍摄中的经典手法之一,但是在斯皮尔伯格在实际应用中赋予了这一手法更多诠释,形成了极具辨识性的斯式跟镜头风格。一般斯皮尔伯格会使用长时间的跟镜头,记录行走并交谈的两名角色。为了追求出色的视觉质感,斯皮尔伯格会在角色和摄像机之间以多样方式排列道具和零时演员,提升画面框架和角色活动的视觉丰富性。另外,当边走边谈的两名角色的场景进行到最后,其中一名角色将要说服另一名角色时,斯皮尔伯格会要求两位演员靠近摄像机,记录他们相互对视的画面。三、过肩镜头过肩镜头是普通的不能再普通的拍摄手法,然而在斯皮尔伯格却能将平凡化作神奇。斯皮尔伯格通常会隔着主角的肩膀使用宽镜头拍摄,这样可以使得主角的形象在画面上比其他角色更高大,从而突出主角的作用和地位,达到强烈的戏剧效果。另外,有时候在过肩镜头中,会让肩膀占据大部分的画面,从而把想要突出的画面主体挤到镜头框架的边缘。虽然不是标准的过肩巨头,这样做通常都有特别意义。斯皮尔伯格这样用是为了强调某一场景的特俗含义,不过他在一部影片中绝对不会用超过第二次。四、特写镜头很多导演都会使用特写镜头,但是迄今为止特写镜头应用最好的当属斯皮尔伯格。五、宽镜头斯皮尔伯格极其偏好宽镜头,无论是过肩,跟镜头或者其它各式各样的拍摄手法中,只要他想突出画面背景中的前景,他一定会使用宽镜头。许多人指责斯皮尔伯格认为他的宽镜头用的非常保守,不过事实上,斯皮尔伯格对宽镜头的处理比不少导演要大胆得多,他应该是电影史上最有冒险精神和雄心壮志的导演之一。六、通过大量前景构图镜头画面斯皮尔伯格特别喜欢在镜头中用各种背景来构造镜头画面。在《少数派报告》的开头,有一个隔着椅子拍摄小男孩的场景。这使得观众能够感觉到一种紧张刺激的感觉,好像你是从哪个隐藏角落进行偷窥,这样的手法比起直接把镜头对准小男孩要高明多了。七、镜像拍摄手法在电影中,经常看以看到通过镜像来表现故事场景的拍摄手法。镜像拍摄一般通过宽镜头来处理,慢慢过渡到对角色的特写镜头,通过这种手法,镜头上的过渡得顺理成章,不漏痕迹。镜像拍摄另外还可以在镜头中用来突出角色。八、匹配剪辑所谓的匹配剪辑是指将不同时间、不同空间但图像轨迹相似的两个场景连接起来,斯皮尔伯格的匹配剪辑让人印象深刻。九、用背光灯来制造阴影轮廓斯皮尔伯格早在21岁拍摄他的第一部短片《安培林》时就学会了如何用背光灯来构造阴影轮廓,不得不感叹他的少年英才。十、多种镜头不间断拍摄斯皮尔伯格最大的天才在于他对于各种镜头的融会贯通。通过不断的变换拍摄位置,斯皮尔伯格可以不间断的使用宽镜头、特写镜头、过肩镜头,最后再到特写镜头进行连续拍摄,一气呵成,没有停顿。(本文转载于:电影国际)

    浏览:8 发布于:2017.09.22
  • 如何处理绿幕拍摄的光线造型和气氛营造?

    在数字技术飞速发展的今天,数字摄影机在行内已逐步替代胶片摄影机,而数字电影技术在整个影视创作行业中已起到了举足轻重的作用。从20世纪90年代的《泰坦尼克号》和新世纪的《黑客帝国》系列作为新技术的风起云涌,到《300》、《变形金刚》等将数字技术特别是后期合成运用逐渐推向热潮,再到《本杰明 ·巴顿奇事》、《阿凡达》、《雨果》勇夺奥斯卡视觉方面奖项,就可以看出数字技术的成熟和其在业内的普及。在我们提到的众多数字技术中,绿幕和蓝幕的拍摄是非常广泛地应用于电影的前期制作中的。我们知道常规情况下,若摄影机处于运动拍摄中,那么画面的背景也会有相应的运动和位移。而绿幕、蓝幕颜色单调一致,又缺乏纵深关系,往往不能为后期合成提供准确的摄影机运动信息。所以就必须在屏幕上添加一些标记,通过跟踪这些关键点,帮助后期制作人员找回摄影机的信息,从而调整好主体人物与背景之间的运动关系。设置跟踪点一般是在绿幕和蓝幕上贴一些等距离或等分的线或点,足够细致的话还可以让这些标记之间有所区别。现在绿幕的应用比蓝幕要多,因为多数摄像机CMOS的拜尔像阵中绿色像素是红蓝的两倍,其信号最强,噪波最少,包含了大部分的亮度信息。蓝色噪波最多、最暗,所以一般不推荐采用蓝幕。相对来说,绿幕蓝幕的拍摄还是比较基础的特殊拍摄,但要考虑到为后期的抠像和合成留下余地和创作空间,所以在拍摄时也有很多需要注意的地方。合成拍摄时需要注意的问题:1、对绿幕的一般处理方法        在光线处理上,由于拍摄的背景只是一块绿幕,同最终影片所呈现的不同,所以需要摄影师和灯光师考虑得更为全面,事先要和后期部门充分沟通。在实际操作中,抠像的绿背景和前面的表演区域是分开的,那么在打光时,最常用也是最保险的方法,就是将背景和表演区域分开打。一是照明背景,也就是将用于抠像的绿色背景打亮,要将其处理到利于后期抠像的亮度,使得摄影机能够正确记录和还原背景色彩。其实最重要的一点,就是布光要均匀无阴影。选择绿幕材料时要尽可能避免幕布上存在折皱、暗角等情况。但它有问题时也可以想办法补救:在拍摄时将前后景的光线距离尽量拉开,互不影响最好。由于前后景有了距离,而镜头聚焦于被摄人物,绿幕则通常在焦外呈模糊状态,所以即便它有些瑕疵也不容易看出来。除此之外,最好的办法就是选择比较散的灯光器材,硬光质如聚光灯等就很难用到了。可以选用Space Light,也就是太空灯,另外Kino Flo有专门的Cyc Light和供绿幕专用的绿色灯管。绿幕打得色谱频宽越窄,就越容易抠像。光照的亮度在整个屏幕上应该是均匀的,不能有亮点、阴影区域或者颜色差异。这几乎意味着需要将大量灯光对绿幕进行照明,但又要避免使其照射到被摄体上以免产生额外的溢色,所以必要时可采用黑布遮挡。这并不简单,需要摄影师在现场严谨地进行控制。亮度控制方面,引用澳大利亚电影摄影师学会(Australian Cinematographer Society,ACS)的绿幕拍摄指导课程上,拍摄过《超人归来》的摄影指导埃默里 ·罗斯(Emery Ross)提出的观点:当使用数字摄影机拍绿幕时,绿幕的亮度应比前景高1挡左右。光位可根据布光的方便随意选择,关键是散射光一定要够均匀。打完之后目测一下有无明显深浅不一致的地方,如果你对此不放心的话,可以拍张视频或数码照片导入After Effect或Photoshop,拉动对比度,就能看出光线的不均匀之处。2、对人物等被摄体的用光处理       其次是对被摄物体的光效处理,由于拍摄时同最终影片的背景上存在差异,室外场景最好在室外拍绿幕,因为太阳光线是平行的,室内比较难模拟。除非条件特殊,在具体处理被摄物体光线的时候,要根据后期所合成的背景的光线效果作为参考。具体对人物等被摄对象做光时,要有意识地对合成素材进行分析,平衡好拍摄素材与合成素材的光感。下面这个练习方法是比较适合新手初学绿幕摄影的,在熟悉这些流程之后,可以逐渐化繁为简。首先通过对合成素材拍摄地的勘景,或者直接分析合成素材以找清楚其潜在的主光,并对其光线呈现的强度、位置、软硬有所了解。最重要的当然是主光光位的选择,如果能够到合成素材的拍摄现场,可以通过以下方法做出快速准确的判断:你可以在机位面向被摄体方向,伸拳头到被摄体位置,然后检查光线在手背上的分布情况。首先看清手背上的主光位置,然后尽量挡住主光方向光线,进一步观察逆光及侧逆光情况。这样次第挡住某些角度的光线,就能弄清楚被摄体身上的光线分布和作用。当然有条件的话,要记清楚合成素材拍摄时的拍摄参数如脚架高度、摄影机曝光值、镜头焦距等,这些同样非常重要。回到绿幕拍摄现场,尽可能复原拍摄参数如脚架高度、曝光值、焦距,然后找好人物与相机的相对位置,取得正常比例的景别。以拍摄合成素材时的光线情况参考来重新做出被摄体的光线,注意给被摄体单独布光时,尽量控制投影使其不会映在绿幕上。3、对于“溢光”的控制                    绿色背景总是会反射一定数量的额外光到前景被摄体上,这种影响就是所谓的绿色溢光,它是绿幕或蓝幕拍摄所具有的一个无法避免的问题。照射到主体上的绿色溢光不仅会导致光照错误,而且遮挡起来困难重重。由于溢光区域具有与绿色衬托背景类似的着色,大多数抠像软件很难区分这些受到蓝光或绿光本身严重污染的前景。为了抵消所有可能产生的绿色溢光,通常的做法是,在主体上增加一些补色的光线的照明,也就是品色的照明。然而这种方法并不受人欢迎,其原因在于它将初始背景拍摄中原本不存在的灯光引入了前景。有一种最基本的方法可以防止绿色溢光对前景的污染,那就是确保前景尽可能远离衬托背景,距离越远,背景反光对主体的影响就越小。但是主体距离背景越远,需要的背景面积就越大,照明也会相应增加,所以实际操作中必须综合考虑各种利弊。如果空间小的话,溢光的确比较难控制。这时尽量不要穿白色衣服,而如果拍的是近景,可以把周围绿幕用黑布遮挡掉,只露出需要扣像的一块来减少漫射的光线。只要能扣干净边缘,多余的绿色可以在后期校色中处理掉。另外,一些全景的合成镜头不仅需要在人物的背景设置绿幕或是蓝幕,而且要求幕布一直延伸到演员的脚下。在这样的情况下,即使背景距主体很远,人物周围也会受到来自地面的反光,所以在拍摄时摄影师都要考虑到这些问题,并及时同后期人员进行沟通、了解。绿幕通常是从前面照明的,但也有半透明的绿幕,可以从后面照明。具体决定选择哪种照明方式要根据实际情况加以考虑:从后面照明的屏幕通常更贵,而且要求具有更大的地面空间才能实现。但如果能够做到既照亮元素又不会在衬托背景中引入不希望的光照时,这种方法就会非常棒。4、抠像背景的颜色                理论上数字合成可以使用任何颜色的背景,但在选择时要从两点出发:一是背景的颜色不能同主体混淆,如果两者颜色太接近则会使边缘难以判断,令抠像变得困难,只有通过人工来进行擦除,这当然又增加了劳动力和制作的成本。二是背景的颜色与光源颜色最好相近,因为用于合成的画面需要在较大的幕布下拍摄,那么背景的颜色难免会反射到主体上。但如果在一个室外的绿色环境下的合成使用绿幕进行抠像,即使有部分的光线外溢到了主体上,观众也不会觉得奇怪。4、运动画面的合成                由于运动画面会使景物模糊而造成抠像的困难,所以在拍摄主体运动的画面时尤其要谨慎。解决运动镜头的模糊问题常用三个办法:首先可以降低运动的速度以保证影像清晰,但是这往往会与导演要求或剧情冲突。其次可以使用高速摄影解决影像模糊的问题,这种办法在抠像合成中经常被使用到,如果高速摄影产生的慢动作不符合剧情的要求,那么可以通过后期抽帧等方式解决问题。再次如果是数字摄影机,那么可以通过调快电子快门的方式来避免模糊问题,若是胶片摄影机那么就调整叶子板的开口角。5、真实性的处理                在实际拍摄中,绿幕照明是有一定的基本原则,就是要明确背景的风格样式和内容。因为绿幕拍摄的最终目的是合成,所以也就存在一个合成以后的统一问题,在光线上就具体表现为光线的质感、方向以及强度是否统一。举例来说,如果背景是一个日光外景的环境,那么在绿幕拍摄的补光时,就可以在同外景光线统一的条件下,让光线从略微高一点的角度照射过来,这样能够呼应日景光线的大致方向。同样,如果合成的是室内环境内容的背景,除了参考背景环境中的光线方向、性质以及气氛以外,还可以让光线从侧面的方向照进来,这样可以把光源依据推断为室内的壁灯等等,不仅满足了照明的基本需要,并且起到了光线造型和气氛营造的作用。(注:文章摘自金象微电影网)

    浏览:6 发布于:2017.09.22
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September

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