• 电影编剧太TM懒了,每次都是这种套路!

    出于某种原因(编剧太懒或观众太傻),电影中一些套路式的设置,让很多资深观众看得很郁闷!下面是几个例子:只要下决心准备离开,放心吧,最后一刻,那个他(她)在意的人会在机场(车站)出现,进行挽留和表白变态潜入房子,逐个杀死所有的人。可是剩下的人却偏偏还要去搜索所有房间,而且不开灯。为了获得最佳效果,还要到地下室喊一嗓子:“喂~有人在吗?”只要戴上眼镜,别人就认不出来,连老妈都认不出来他(她)的真面目女扮男装仅仅是穿上男装,容貌声音都是女性,别人却都看不出来,通常出现在国产电影中#p#e#只要是定时炸弹,一定有闪烁的红色数字表盘,倒计时到零才引爆。就算没能拆除,也可以逃跑,绝对不会被炸死只要是监控拍到的人物,清晰度就可以无限放大,立刻识别出对方的身份有些女孩傻乎乎的,没什么理由整天跑来跑去,为的是按照剧情需要和帅哥邂逅如果一个人做噩梦,肯定是立刻坐起身来,尖叫或者喘气。通常这时候,月光照耀着窗口不知道为啥,角色常常在雨中接吻——这和正常人大不相同啊#p#e#独自一人在家中洗澡是很危险的事镜子很可怕。由于某种原因,鬼魂啊怪物啊什么的都喜欢藏在镜子里全世界用的都是L形的毯子,其特点是,可以盖住女性的胸部,但只能盖住男性的下体如果遇到危险,角色首先做的第一件事是大喊:“不要啊!”各位编剧要跟上群众日益增长的欣赏水平啊! 

    浏览:129 发布于2017.10.19
  • 强烈推荐!图解30种影视剧镜头手法

    这是一个娱乐至死的年代,电影电视已经成为继衣食住行之后人们的第五大生活需求。随着智能手机和平板电脑的普及,电影电视犹如潮水,承包了人们生活的时时刻刻,无论是上班下班,大众都默认了电影电视的娱乐方式并深陷其中。每个现代人都在不知不觉中消费了难以计量的电影电视。了解镜头,会让你更好的认识电影电视,可以在社交论坛上对某个你热爱的导演手法侃侃而谈,方便收获大家对你的崇拜。更可以给摄影师们不断涨姿势,实在是居家必备的秘籍!1、航拍镜头航拍镜头(Aerial Shot),是指从空中拍摄地表地貌,获得俯视图,最大优势在于能够清晰的表现地理形态,因为技术原因是镜头中的“贵族”,近年来随着无人飞机的发展,虽然成本有所下降,但高质量的航拍镜头仍然价格不菲,在电影电视中也是最常见的镜头手法之一,尤其是多用于开头部分。2、弧型运动镜头弧型运动镜头(Arc Shot),顾名思义,摄影机以按照某个圆周以弧形运动所拍摄的镜头,可以为一个场面提供多变化的视觉层次,在电影电视中属于被滥用的镜头之一,对技巧和手法的要求不高,但精通难度大。《变形金刚》导演迈克尔·贝对弧形运动镜头情有独钟。3、衔接镜头衔接镜头(Bridging Shot),一般用来表示时间或者空间上的跳跃和其它与剧情不连续的镜头,就好像一条在地图上穿梭的线条。衔接镜头对于电影电视的情节推动有着不可替代的作用,不过使用的手法因人而异,高明的衔接镜头总能让观众感觉顺其自然。4、特写镜头特写镜头(Close Up),最早由导演格里菲斯等人创造,用来拍摄人像的面部、人体的某一局部、物品的某一细节。它的出现和应用丰富和增强了电影的表现力,也是镜头美学最重要的一环;同时,也是观众最喜欢也最容易记住的镜头手法。5、七分身镜头七分身镜头(Cowboy Shot),又称牛仔,来源于全盛时期的好莱坞西部片,镜头的画面一般涵盖从人的头顶直到膝盖的位置,也就是七分身,像极了西部片中对牛仔形象刻画,从头到配枪的腰身。虽然西部片行将就木,不过七分身镜头却在现在的电影电视中脱胎换骨。6、中景镜头中景镜头(Medium Shoot),画框下边卡在膝盖左右部位或场景局部的画面称为中景画面,中景镜头所包容的景物比全景少,比特写多,环境处于次要地位,重点在于表现人物的上身动作,在影视作品中中景镜头的比重较大,因为镜头的叙事性较强。7、远景镜头远景镜头(Long Shoot),具有广阔的视野,常用来展示事件发生的时间、环境、规模和气氛,比如表现开阔的自然风景、群众场面、战争场面等等,重在渲染气氛,抒发情感。在远景画面中,不注重人物的细微动作,但却可以通过承上启下的组接含蓄地表达人物的内心情绪。8、深焦镜头深焦镜头(Deep Focus),利用焦距将前景、中景、近景等全部景深融入到镜头到中,在电影构图中,往往寻求最大景深,把所有细节都在镜头里毕露无遗。影史上最早也是最著名的深焦镜头摄影大师当属格雷格·托兰德,他和大导演奥逊·威尔斯是深焦镜头的鼻祖。9、滑动变焦滑动变焦(Dolly Zoom),是一种非常有名的镜头拍摄手法,相机一方面向前推进一方面同步使用变焦摄影,对移动目标对象产生缩放的视觉效果,从而有效地突出画面中的目标对象,将主体作为场景中位移大小位置不变化的构成。10、定场镜头定场镜头(Establishing Shot),影片一开始或一场戏的开头,用来明确交待地点的镜头,通常是一种视野宽阔的远景。定场镜头通常会和航拍镜头结合在一起,在航拍镜头后出现。11、仰拍镜头仰拍镜头(Low Angle Shot),摄影机从垂直位置上低于多数被摄对象位置拍摄的镜头,往往可以使得画面中主体人物显得更加高大,当然仰拍镜头的应用不止于此,关键在于这种低角度的拍摄和电影画面的具体情节相结合,比如拍摄小孩等等。12、俯拍镜头俯拍镜头(High Angle Shot),相对于仰拍镜头而言,任何摄影机从一个垂直位置上高于多数被拍摄对象的位置来拍摄画面的镜头,俯拍镜头也是换了角度来观察世界,将观众从一般的平行视角中解放出来。13、锁画镜头锁画镜头(Locked-Down Shot),指的是镜头画面被固定在某一范围内,但是角色的动作状态在画面之外,常常用来表达“此处不适宜观看”或者认为掩饰比起给观众直观展现更有戏剧效果,在电影电视中常用,但在同一部作品中使用的次数有限制,一般不会多于3次。14、手持摄影镜头手持摄影镜头(Handheld Shot),摄影师用手持的方式操纵摄影机来拍摄画面的手法,代表着一种随心所欲充满自由的风格,通常会用来记录一个连贯的动作,在纪录片和剧情片中被大量应用,镜头的纪实感异常强烈。15、荷兰式上下直摇荷兰式上下直摇(Dutch Tilt),虽然叫荷兰式,其实这个镜头手法跟荷兰一点关系都没有,而是来自德语中的Deutsch Angles,指的是剧烈晃动的纵摇移动镜头,这种镜头手法通常用来表示迷失、迷惑的氛围,注意,画面的角度一般都是倾斜的。16、图书馆镜头图书馆镜头(Library Shot),又可称为老镜头,顾名思义指的是那种在图书馆和电影博物馆里早就存在的老电影的镜头,在影视剧中经常会被引用,用作怀旧或其它用途,比较熟知的老镜头电影当推马丁·西科塞斯的《雨果的秘密》,以一个孩童的视角回顾电影诞生初期的大导演乔治·梅里埃。17、遮摄镜头遮摄镜头(Matte Shot),是一种合成摄影的方法,指的是将两个不同的镜头拍在同一张底片上,过去由于技术落后的原因一般会在前进动作的后面放上一块用玻璃画好的背景物,现在随着科技的发展,遮摄的方法主要通过电脑实现,这也使得电影的镜头变现内容和形式更加丰富。18、金钱镜头金钱镜头(Money Shot),只有更贵,没有最贵,金钱镜头专门指的是那种花费了极其高昂的价格拍摄出来的镜头,尤其是在现在CG特效高速发展和使用的好莱坞大片中,不管是各种绚烂的爆炸场面,还是恐龙的万兽狂奔,这些让影迷大饱眼福的镜头背后是巨大的人力物力花费。19、过肩镜头过肩镜头(Over-The-Shoulder Shot),隔着一个或数个人物的肩膀,朝另一个或数个人物拍取的镜头。过肩镜头的作用在于给观众一个旁观者的角度,同时又通过肩膀和画面主体在镜头画框内的具体空间关系,分清楚主次。过肩镜头也是电影电视中最常见的镜头之一,简约而不简单。20、横摇镜头横摇镜头(Pan Shot),作为镜头四大经典手法推拉摇移中摇镜头的一种,横摇镜头侧重的是镜头的水平移动,从左到右,或者从右到左,就好像这个镜头的英文名字中出现的“平底锅(PAN)”,镜头移动方式就好像是沿着平底锅的锅延。横摇镜头通常用来拍摄移动中的汽车镜头,比如《速度与激情》系列电影。21、主观视角镜头主观视角镜头(Point-of-View Shot),指的是摄影机通过角色的主观意识来展示角色所看到的事物,让观众看到或听到的事物和角色本身所看到或听到的保持一致,让观众进入角色的内心世界,主观视角镜头严格意义上来说不输于常用的镜头手法,但在心理片和恐怖片上中所占比重较大。22、序列长镜头序列长镜头(The Sequence Shot),是长镜头拍摄手法的一种,强调地是在不剪辑的前提下连续不断地将一个完整的镜头片段记录下来,再现了事件发展的真实过程和真实的现场氛围,由于没有剪辑的支持,序列长镜头对于摄影的技巧要求非常高,因为全部镜头片段的记录全靠摄影师对摄影机的灵活调度和操作。23、斯坦尼康镜头斯坦尼康镜头(Steadicam Shot),其中斯坦尼康指的是摄影机稳定器,指的是通过斯坦尼康代替滑轨使得摄影机可以自由流畅地移动,在上个世纪70年代由奇才加里特·布朗发明,一经问世就给整个电影界带来摄影革命,在最近的几十年里,斯坦尼康镜头肩负起了拍摄大部分大场面长镜头的使命。24、纵摇镜头纵摇镜头(Tilt Shot),指的是摄影机在垂直方向上移动所拍摄的镜头,和横摇镜头相对应,又称俯仰拍摄,最好的纵摇镜头例子莫过于跟踪向上升起的物体,比如气球,当镜头要记录气球从地面向天空飞行的过程,镜头可以从指向地面开始,以指向天空的仰角度结束来追踪气球运动的轨迹。25、顶摄镜头顶摄镜头(Top Shot),和俯拍镜头的区别在于它不是从某个人的角度出发去拍摄,而是从鸟瞰的高度直接拍摄,因而通常从人们根本无法达到的角度,把一些富有表现力的造型和场面拍成构图精巧的画面,把人与环境的空间位置,变成线条清晰的平面图案,从而使画面具有特殊的情趣和美感。26、推轨镜头推轨镜头(Tracking Shot),将摄影机架在小推车上前后移动或者在被摄对象的侧面移动,镜头的运动轨迹是线型,这是它和横摇镜头的差别,推轨镜头往往强调镜头画面的整个过程,因而在推动电影电视的叙事性方面,突出了角色或者画面逐渐变化的过程,有层次感和立体感。27、双人镜头双人镜头(Two-Shot),只要镜头画面中的有两个主体人物就可以被看做是双人镜头,电影电视中常见的镜头之一,尤其见于一些以情侣、兄弟为主题的类型影片中。双人镜头入门不难,但是想要精通就得考虑两个主体在镜头中的画幅构造,以及电影电视故事情节的叙事要求。28、急摇镜头急摇镜头(Whip Pan),横摇镜头的一种,只是由于镜头摇摆的幅度太剧烈,使得镜头画面看起来因为剧烈的晃动而难以辨识。急摇镜头在镜头语言和电影电视的叙事性上有着特殊而鲜明的寓意,比如突发自然灾害在内的意外情况对角色所在位置的冲击,以及角色本身的心理活动的挣扎和迷惘。29、变焦镜头变焦镜头(Zoom Shot),变焦镜头是在一定范围内可以变换焦距、从而得到不同宽窄的视场角,不同大小的影象和不同景物范围的镜头。变焦镜头在不改变拍摄距离的情况下,可以通过变动焦距来改变拍摄范围,因此非常有利于画面构图。变焦镜头是属于高难度的电影电视拍摄技巧,是拍摄技术中区别平庸和大师水准的分水岭之一。30、升降镜头升降镜头(The Crane Shot),摄影机被放置在升降机或者起重机机械臂上所拍摄的镜头,摄影机和摄影师可以在这种升降装置上自由移动,从而从多个试点来表现场景,利用表现从高处所展现的各个局部,展示事件或场面的规模的宏达气势,通过升降速度和节奏的运用,还可以表现不同的场面情调。

    浏览:163 发布于2017.10.12
  • 【涨姿势】电影转换场景的八种方法

    所谓转场,举个大家熟悉的例子,PPT里幻灯片的之间切换就是转场。这是个技术活,回忆一下,电影中很多专场技巧:比如从一个场景中镜头摇向空中,你看到一轮明月。再将镜头摇下来,场景就变了。无技巧转场是每个摄影师的基本功之一,完成一个段落场景的拍摄后如何让段落与段落之间衔接流畅呢?这就到了考验技术的时候了。虽有淡入淡出、定格、叠化等技巧转场的方式进行衔接,但高明的摄影师一般都放弃这种做法选取无技巧转场方式。一、利用相似性因素上下镜头具有相同或相似的主体形象,或者,其中物体形状相近、位置重合、在运动方向、速度、色彩等方面具有一致性等等,以此来达到视觉连续、转场顺畅的目的。电视片《丹麦交响曲》剪辑效果非常流畅,这在很大程度上得益于大量采用相似性的直接切换技巧:利用固定镜头中的玩具士兵与现实中皇家卫队仪式活动连接:巧妙运用上下镜头的相似关联,减少视觉变动元素,符合人们逐步感知事物的规律,场面转换自如。运动感觉的一致性声音的相似性视觉的一致性内容的相似性形状的相似性状态的一致性运动速度的一致身体感觉的一致性颜色的相似性#p#e#二、利用承接因素利用上下镜头之间的造型和内容上的某种呼应、动作连续或者情节连贯的关系,使段落过渡顺理成章,有时,利用承接的假象还可以制造错觉,使场面转换既流畅又有戏剧效果。 比如,上一段落主人公准备去车站接人,他说我去车站了,镜头立即承接这一意思切换到车站外景,开始了下一段落,这是利用情节关联直接转换场景。一般来说,此建筑接彼建筑,建筑外景接建筑内景,接建筑内的人群,再接主人公;类似的承接方式连接是剪辑中结构镜头连接顺序的一般规律。利用人们自动承接的心理定势,采用偷梁换柱的手段,往往可以造成联系上的错觉,使转场流畅而有趣。#p#e#三、利用反差因素利用前后镜头在景别、动静变化等方面的巨大反差和对比,来形成明显的段落间隔,这种方法适合于大段落的转换。其常见方式是两极景别的运用,由于前后镜头在景别上的悬殊对比,能制造明显的间隔效果,段落感强,它属于镜头跳切的一种,有助于加强节奏。 一般来说,前一段落大景别结束,下一段落小景别开场,叙述节奏加快,场面转换有力;反之,前一段落小景别结束,后一段落大景别开始,段落分隔效果明显,叙述节奏相对从容。在纪录片中,两极镜头转场更是区分段落层次的有效手段,它可以大幅度省略无关紧要的过程,利用在动中转静或在静中变动来赋予观众强烈的直观感受。#p#e#四、利用挡黑镜头所谓遮挡是指镜头被画面内某形象暂时挡住,依据遮挡方式不同,大致可分为两类情形:一是主体迎面而来挡黑摄像机镜头,形成暂时黑画面;二是画面内前景暂时挡住画面内其他形象,成为覆盖画面的唯一形象,比如,在大街上的镜头,前景闪过的汽车可能会在某一片刻挡住其他形象。当画面形象被挡黑或完全遮挡时,一般也都是镜头切换点,它通常表示时间地点的变化。典型例子是:前一段落在甲地点的主体迎面而来挡黑镜头,下一段落主体背朝镜头而去,已到达了乙处。在电影《有话好好说》中,有这么一段内容:男主人公在大街上等待女朋友,开始镜头在百无聊赖地东张西望,下一镜头,前景中汽车驶过,他在吃西瓜;汽车再驶过,他在吃盒饭,最后一个镜头汽车驶过,画面转接到女朋友的家中。五、利用运动镜头或动势利用摄像机的运动来完成地点的转换或者利用前后镜头中人物、交通工具等的动势的可衔接性及动作的相似性,作为场景或时空转换的手段。 在利用运动转场的技巧中,出画、入画也是转换时空的重要手段。在表现大幅度空间变化时,比如,从办公室到大街,从甲处到乙地,经常可见让人物从前一镜头走出画面,再从另一环境的镜头中走入画面;同样,也可以前一镜头人物出画,后一镜头内人物已在画中,比如前一镜头中人物走出家门,下一个镜头他已在大街上。#p#e#六、利用空镜景物镜头大致包括两类:一类是以景为主、物为陪衬,比如群山、山村全景、田野、天空等,用这类镜头转场既可以展示不同的地理环境、景物风貌,又能表现时间和季节的变化。另一类是以物为主、景为陪衬的镜头,比如,在镜头前飞驰而过的火车、街道上的汽车以及诸如室内陈设、建筑雕塑等各种静物。景物镜头又是借景抒情的重要手段,它可以弥补叙述性素材本身在表达情绪上的不足,为情绪伸发提供空间,同时又使高潮情绪得以缓和、平息,从而转入下一段落。电影《重庆森林》具体镜头的选择应与前后镜头的内容情绪相关联,同时还要考虑与画面造型匹配的问题,不要出现莫名其妙的连接。#p#e#七、利用声音用音乐、音响、解说词、对白等和画面的的配合实现转场。《美国往事》中的电话铃声,就是一个比较极端的例子,我们听到的电话铃声,引导画面不停变化的场景。1、利用声音过渡的和谐性自然转换到下一段落,其中,主要方式是声音的延续、声音的提前进入、前后段落声音相似部分的叠化。2、利用声音的呼应关系实现时空大幅度转换比如,电影《紫色》中,上一段落夏普父亲不同意他结婚,最后镜头是已怀孕的未婚妻在门口大叫夏普,夏普正面对父亲犹豫,不敢回头应答;下一段落开始,夏普回头应答我同意,此时已在婚礼场上,孩子也已出生了。一喊一答,加之回头动势,错觉带来了戏剧性效果,实现了时空跨越的目的。3、利用前后声音的反差,加大段落间隔,加强节奏性。其表现常常是某声音突然戛然而止,镜头转换到下一段落,或者,后一段落声音突然增大或出现,利用声音吸引力促使人们关注下一段落。比如,上一段落是一个人在家安静地学习,下一段落是热闹的足球场上的比赛,突如其来的比赛现场的嘈杂闹声直接反映了另一段落性质,镜头直接切入球场比赛。#p#e#八、利用主观镜头主观镜头是指借人物视觉方向所拍的镜头,用主观镜头转场就是按前后镜头间的逻辑关系来处理场面转换问题,它可用于大时空转换。比如,前一镜头是人物抬头凝望,下一段落可能就是所看到的场景,甚至是完全不同的事物、人物,诸如一组建筑,或者远在千里之外的父母。 

    浏览:92 发布于2017.10.09
  • 【干货】影视中如何使用灯光来传达情绪!

    画面不光是单纯的使用色彩,还会搭配灯光营造更浓烈的氛围,因为使用灯光会让画面更加充满活力。下面教你如何通过使用打光来设定画面的色调和创建色彩情绪。混合色彩上图来自《无为大师》,在第二季的最后一集中,两个核心人物发现自己被困在一个公寓内,而这种紧张的局势建立了一个经典的“他们会不会……xx”的情节中。这个场景中的照明,涉及了通过使用蓝色和红色两种灯泡,简单的打出一个画面内两个空间的构图方式。这样的打光方式似乎是要表达激情和孤独感的明显区分,但灯光也是主体的背光,因创造这样一个小插曲,最终构成了片中最浪漫和难忘的镜头之一。在选择摄影机和在确定主体使用什么颜色和类型的光线之前,需要考虑几件事情。首先,你需要适当的为演员的肤色和一身行头布光。其次,调色师可以在一定程度上对项目进行分级,但是在设置互补色灯光方面,你需要知道蓝色和橙色,红色和绿色,红色和蓝色,蓝色和黄色它们之间都是互补的,这样的打光方式会使你的主体表现得很时髦。比如擅长使用混搭灯光,最著名的DP之一贝努瓦·戴比,他经常使用两个对比色的灯或实用工具来照亮演员。他在工作中经常使用霓虹灯,如果你好奇混合色灯光在你的镜头中会呈现出怎样疯狂的色彩,可以看看他拍摄的一些影片:《爱恋》、《迷河》、《纽约,我爱你》等等。使用霓虹灯刚刚说到摄影师,现在说说最喜欢使用霓虹灯的导演,他就是《霓虹恶魔》的执导尼古拉斯·温丁·雷弗恩。在他的电影中,大多数表现的是社会的阴暗之处,包括红灯场所或地下拳击场。在拍摄这些主题时,他们会依靠现场实际的霓虹灯来设定影片的色调。在这些情况下,霓虹灯是一种即便宜且视觉上又能吸引人的解决方案。这里还要提到一个大师就是斯坦利·库布里克。无论使用蜡烛、圣诞灯还是采用单光源照亮人物,这位导演都是位通过照明来设定不祥气氛色调的大师。再举个例子,2014年的《疾速追杀》这部电影也是通过充分的利用创意来照明,他们使用现场的霓虹灯和LED,以及镜头眩光给画面作出气氛。而且,鉴于影片通常表现非常黑暗和激烈的主题,使用红色、蓝色、紫色以及白色的灯光将会拍出一些非常出色并且有特点的镜头。再说一个玩红玩的很好的作品。美剧《双峰》,导演大卫·林奇在剧中大量使用了各种红色。屋子里的红色窗帘与具有强烈曲折图形的地板和家具等装饰在艺术效果上形成鲜明对比。这种效果会创造出一种迷失方向的感觉,超现实的让人不知所措,是其他画面不可替代的。#p#e#在灰色调的房屋上方,红色霓虹灯上那耀眼的枪支形象logo使这个场景在一定程度上增添了暴力感。The Bang Bang Bar舞台上的红帘背景与Black Lodge中明亮的红色相呼应,但它表现的更为柔和,并且搭配上蓝光的人物主体使整个画面充满了梦幻般的戏剧性效果。Cooper探员在逃离Black Lodge后,裕木奈江扮演被称为“Naido”的神秘角色,在房间里穿着一件暗红色的天鹅绒连衣裙。她这身充满活力和奢华的礼服,不但有女性气质又非常吸人眼球,与身后的刻板空间形成了鲜明对比,而且这身装扮在这个空间中表现出了非常诡异的视感。对于2017年的《双峰》,这位女演员短暂地出现在这个房间里,这个神秘的人物也穿着红色的衣服,但这个画面表现出了红色的神秘。娜奥米·沃茨饰演的道基的脾气粗暴妻子——詹妮-E·琼斯,当她感到像家人被利用时,这个家庭主妇怒气冲冲。在这里,红色是火气的代表,此时的她背着红色包,正面对着试图敲诈更多钱的丈夫。#p#e#小Jim Jones是Dougie Jones的儿子,观众会注意到他身穿一个红色连帽衫。虽然是红色,这与通常人物性格所代表的危险或情绪困扰似乎没有什么关系,但这个红色似乎对Cooper更具有强烈的意义,因为这个颜色改变了他。她明亮的红色和服式长袍代表权威和激情......这与她金色的头发有着鲜明的对比。黛安选择亮红色衬衫使情绪再一次推到顶点,这似乎是在展现一种痛苦和恐惧。 在纯黑色的背景前,使她在这个场面中成为观众的焦点。如果一个角色在表演中有好坏之分的话,那么食物作为角色的话,会表现的更加出色。这个樱桃派在视觉和它本身上是被完美包装过的:这是一道精致的美味,以非常规的视听语言和戏剧方式表现它红色内核中散发出一种令人震惊的红。

    浏览:1164 发布于2017.09.29
  • 不得不说《加勒比海盗5》的拍摄幕后是真牛!

    《加勒比海盗5:死无对证》上映有几天了,看后有人说好的不少,说不好的更不少,不过看到有一句很对的话,那就是“年轻的约翰尼·德普真特么帅!”尽管加勒比系列的主题一直都是围绕各种海上行尸走肉和无耻背叛,但最新的第五部却注入了新鲜创意的血液,其中包括联合导演乔阿吉姆·罗恩尼、艾斯彭·山德伯格和ASC摄影指导保罗·卡梅伦。不管怎么说,为了德普还是可以看看。来源:《美国摄影师工会》,翻译:Nan导演回忆说:“我们在恰当的时间里有了一个很好的机会。”罗恩尼导演一行人从之前四次银幕航行的导演戈尔·维宾斯基手里接过船舵,从此他与电影摄影师达瑞兹·沃斯基在往日的合作中留下了不可磨灭的一笔。尤其是在两人合作的《孤筏重洋》后,该片因获得奥斯卡提名,从此让二人更加声名大振,而这一切刚好发生在罗恩尼导演有意加入第五部《加勒比海盗》之时。他说:“两人联手打造的海盗系列让我想起了在我小时候,康米斯基和斯皮尔伯格联手打拼的事业,他们激发了我成为一个电影人的梦想。”他又说:“我们这个团队有很好的电影想法,而且大家又不断的研究剧本,直到有一天我们接到了杰瑞·布鲁克海默的祝贺电话,说我们中选了。”对于联合导演这个事情,罗恩尼导演承认:“艾斯彭和我的风格有一点点不同。由于这个项目的规模和技术性,这次更多的是采用我的风格。”他对海盗系列的视觉效果有着高度的评价,所以他继续任用了《加勒比海盗4:惊涛骇浪》的视觉特效总监Gary Brozenich,美术总监Nigel Phelps和摄影师卡梅伦,他们之前合作过《极速六十秒》,并拍摄过HBO的大热剧《西部世界》。罗恩尼说: “我很高兴卡梅伦愿意接受我作出一些改动的想法。虽然本片已经有了一段时间,像是时代剧,但它需要的是一种现代感。这处理起来虽然有点难度,但我认为成片会很吸引年轻的观众。”摄影指导卡梅伦很赞赏摄影师沃尔斯基和导演维宾斯基的高标准要求。作为摄影指导,他承认说:“我想要衬得起这一续集。但是,第五部单拿出来也要自成一体。我们并不想模仿以前的几部。比如,其中一个不同的点就是我们如何处理闪回的时刻。有一幕是哈维尔抓住了杰弗里·拉什,并告诉他自己过去与年轻时的杰克船长的恩怨,交代他与他的船员是因为杰克而被骗和杀死的。他回忆过去的那个镜头,我们做了一个漂白的视觉效果,与故事中美丽的夕阳形成了很好的对比。最后,调色师与其他总监将取景效果在数字影像里又推进了一步,让它的呈现更突出。”摄影指导的其中一个工作目标是对每天每个场景的时间点做严格控制。他说:“剧本里只会表示‘白天’或‘晚上’,没有更具体的信息。”他接着说:“而我会将这些时间具体化,以便让特定的场次更戏剧化,比如正好配上日出或是日落。”他补充说:“我在概念阶段落实了很多关于照明方面的设想,这是一个大胆的尝试,因为许多场景需要增加视觉特效,并且可能会受到剪辑的后期改动的影响。如果去掉一个场景,那么日落场景到镜头拍摄就很可能会更接近在中午进行。但是,与特效指导和其他导演的紧密配合可以让每个人都知道我想完成的目标是什么,所以这些多部门协作的场景仍然可以用对的方式执行下去。”初步计划使用包括35mm的变形镜头拍摄,但因为几个月时间的延误,在拍摄地点和方法的执行上有了变化。摄影指导回忆说:“我们放弃波多黎各而选择了澳大利亚,然后导演们让我们主要使用Alexa,并搭配上从变形镜头到球面2.40的各种镜头。因为项目的规模,不可能使用单机拍摄。幸运的是,摄影指导从导演托尼·斯科特那里学到了不少多机拍摄的技巧。他说:“我很赞同斯科特的拍摄哲学,就是大胆采用摄影机的角度,即便这样会影响到光线。因为从这些角度上可以得到额外的画面,可以有意想不到的效果,比用设计好的角度拍更容易得到引人入胜的画面。在海盗系列的大部分场景里,我们同时开三台摄影机,在一些大型动作场景中最多能开到八台机器。即使是特技人员也很难在一个场景中重复拍十次,所以我们宁可用更多的摄影机,以减少重复拍摄的次数。”在出发前往黄金海岸进行为期100天的拍摄之前,摄影助理Trevor Loomis先在Panavision伍兰冈分公司准备了整套摄影装备。其中包括第一摄制组的11台ALEXA XT摄影机,其余的给第二组和额外拍摄日使用,这些机器放在昆士兰的Panavision分公司。其中两套Primo V镜头和多个11:1[SLZ11],19-90 [PCZ]和3:1 [SLZ3]范围的变焦镜头供第一组在整个拍摄过程中使用。摄影助理Loomis称赞澳大利亚工作人员“非常热情好客,并且很配合美国的工作人员,工作做的非常好。”数字影像工程师(DIT)Edward Viola在Village Roadshow Studios找到的专供素材编辑用的投影机,这下派上了用场。他解释说 :“为了让导演的监视器、所有的其他配置与投影图像相匹配,每过几个礼拜,我都会把我的全套DIT小车送回素材室,以确保处理后没有任何问题,并确保我们的素材与片场所看到的保持一致。我会用LUT和CDL调用屏幕抓取,后期制作将转到调用现场在Log-C中拍摄的RAW格式数据。我们会看画面是否与显示器上的相匹配。抓取的画面上会有Alexa的所有数据,从快门、白平衡、ISO,到每秒帧数都有。Viola在制作《达·芬奇的恶魔》时,发现大部分用实时模式拍摄很有用。他说:“如果我们几个月后又得重拍一个场景,至少我们有个准确的记录做参考。从我们上一次拍摄到最终的成品,我可以随时做删减。这是一个非常强大的工具,而且很必要。因为我们要在场景拍摄、蓝幕拍摄和水上拍摄的镜头之间进行剪切,所有这些镜头都要匹配。媒体经理Lukas Davidson用8TB的RAID从主驱动器上到单独站点上备份了所有内容。我们会把素材交给片场的后期,以供复制和LTO使用。”影片中的许多船的外景戏实际上都是在内陆拍摄的,各种海船其实上是被蓝幕包围的外景地上建造的部分船体。摄影指导回忆说:“我们用了两个大型停车场,把四到五个集装箱摞起来,排成15米长的半圆形。其中比较大的那个停车场装了一个大概15米长的道具船装在万向架上。小一点的那个场地里有另一艘装在脚轮上更简易的船,我们可以在白天拍摄时,在自然光顺时针或逆时针的方向拖动船。执行制作人Joe Caracciolo想了种让船快速转向的方法,所以拍摄时不需要大家都下船。”摄影指导说这种方法可以让他很灵活的配合变化的天空。他说:“当云层滚动时,我可以使用我的四个3米的Condors升降台,把12个装在Maxi Movers上的18K Arri Max放到对的位置。晚上,我们还会把一个2.5米高,十个10 x 10的Night Spine柔光箱放在船体上方。另外还有好几部带烟火特效、风扇和其他特效工具的升降梯。”但是大量依靠蓝幕棚拍也限制了观感。摄影指导举例说:“比如你正在拍摄一艘船在海上的前景,但没有任何说明光线如何打在角色身上的背景信息。这说明你得根据自己过去在实际日光下拍摄的经验去决定。”“比如你估计在正当午的时候光比例是3 ½:1或4:1,而在黄昏时可能是2 1/2:1,同时你也会改变关键颜色参数来配上日落效果。我提供我所有关于时间线和想达到的外观效果的笔记给视觉特效和剪辑师看,并配上图表来说明为什么这样能配合上剧本。这样就不会让同事们迷惑,“为什么所有东西都是这么蓝?”如果参考我的笔记就能知道这是在太阳升起之前。”#p#e#可想而知视觉特效面对的挑战很多,譬如萨拉查的船,它可以改变形状。视觉特效总监说:“哪里用实际道具和哪里用数字特效的分界线会提前定好。道具的设计很精美,而且几乎每个镜头都有数字扩展。小到桅杆和帆,大到特效覆盖2/3的船头。至于萨拉查和他的船员,我们将演员的部分身体和数字假肢结合,再加入数字人物,CG服装和其他大型特效。特效供应商处理以MPC为主,处理不同的片段,他们的伦敦、温哥华和洛杉矶办事处处理萨拉查和亡灵船员,CG船只、船体扩展和海洋环境。视觉特效总监继续说:“这部片子结合了CG水景和实景拍摄的水景,我们用三台RED Epics拍水景的底板,两个交叉拍摄,一个放中间。装备是由Cine Moves的团队设计的,并且用Aero Film 3轴螺旋稳定头和Klaus Cam装在一架直升机上。”有些底片是在澳大利亚水域拍摄完成的,但大多数是由经验丰富的航拍摄影师Hans Bjerno在基韦斯特拍摄的。CG水景由特别设计的“表演用水”和数字海洋背景结合而成,视觉特效总监想要两种材料完美混合,看不出之间的界限。曾与MPC合作过广告的本片导演指出,即使在《加勒比海盗》这样的幻想世界中,“镜头也只能放在可操作的位置上。我们也经常用现实素材来辅助数字特效。”视觉特效总监肯定了现实元素的运用。他说:“无论在拍摄中还是后期,我们都使用了大量的实拍素材。无论数字特效在重现自然世界的物理和外观方面有多棒,使用符合特效要求的实拍素材,让特效拍摄和其他拍摄更好的对接,这对我来说至关重要。不仅是为了片子的连续性,也为了使用的速度和特效所增加的视觉复杂性。它可以立即营造出那个人人都能感受到的奇幻世界。可以说真实素材是不可超越的,或者说,实拍和数字化素材的结合是不可超越的。”另一个片场拍摄的限制是,摄影指导称之为“海盗电影中常见的壮阔的直升机航拍镜头”。这类镜头在室内半圆型区域中是不可能实现的。他发现了一家位于墨尔本叫XM2的的无人机公司。他回忆说:“我们在准备前期联系了他们,请他们升级他们的X8+系统来搭载Alexa M摄影机。依我以前的经验,小型无人机有时候不稳定,但这个新系统很强大。我们让无人机在桅杆和帆周围飞行,穿过索具,拍到了一些非常令人振奋的镜头。大家都被摄影机的拍摄能力震惊了:你认为是拿摇臂拍摄的,但其实是我们飞到91米高而不是停到50米高拍摄的。”无人机捕捉前景的镜头加上支持演员和设备的绳索更是如有神助。摄影指导继续说:“打斗戏用了很多绳索。比如杰克船长和萨拉查用剑的打斗戏,他们从一艘船跳到另一艘船,从一台大炮打到另一台大炮,动态极多,几乎没法拍。然后,我们将事先的设计分解成可拍的一小步一小步可实现的动作。我们的摄影用Oculus遥控头对接CableCam,再加上汤特技绳索团队把演员吊起。海上的大戏一般都用绳索操作摄影机。镜头突然下降拍摄约翰尼·德普的船只,以拍到杰弗里·拉什结束。摄影助理说摄像机是不断运动的。他说:“我们用升降机拍大场面,然后推进拍大特写。其中有一个镜头是用CableCam从91米高度推到1.5米的特写拍摄哈维尔·巴登。每天都有这样的镜头,所以挑战在于对焦。我们在需要的时候用Prestons和小型车载HD监视器。”摄影指导的重点在用火光做内部照明。他说:“我相信用这种光拍摄的关键在于细节的变化,因为火光的闪烁会把观众注意力从演员的表演和对白引开。一簇光能闪多少,人能注意到多少?我与Gaffers Raffi Sanchez、Shaun Conway定制了一些放在DMX中的LED盒。我们测试了颜色,并用胶将这些盒子固定,让后用它作为监狱牢房里面光线的来源。对于较大的夜间船只的外景,我们用大型钨丝灯重复了这个调色板。”因为有这么多动作戏和特技工作,由摄影师Brad Shield带领的第二组,他们在摄影指导带领的主要摄制组之后不久就在昆士兰开始拍摄了。摄影师Shield表示,他们完成了一些打斗戏和补拍的工作。他说:“为了保持连续性,我们会根据前期拍摄、粗剪和特技演员做的动作示范来拍。”“有个片段中,有个建在笼子上从18米高空中吊下来的15米高的机械臂。特技演员在绳索上吊着的时候能看到下面的一座高塔和乡村景色。摄影机推近他,露出塔的另一面。特技师和场务花了很多时间设计这套装置。他们把这套装置的用法教给第二组的特技师和他的团队,然后我们第二组听取了建议,第一次用就拍成了!”摄影指导说,《加勒比海盗5》有很多数字中间片,但最终效果令人满意。他表示:“这类大片摄影指导的职责所在就是确保大家都遵守同一套规则。落实好所有计划和做微小的修改是很花时间的,但是过程中和其他导演、加里,以及调色师一起工作是非常愉快的,因为我们得以看到所有工作逐渐汇成的成果。”导演总结说:“《孤筏重洋》是我的第一次用数字拍摄。我们在一片开阔的海域上拍摄了六个星期,然后有四个星期的时间在后期工作室做了500个特效镜头,这在挪威电影界是很了不得的事了。但是在《加勒比海盗》里,我们有2000多个视觉特效镜头。在这种大片中,可以用到这么多的资源,可以不断改进事物,有更久的后期时间,它给我们一个很好的机会作出最好的电影。”

    浏览:1171 发布于2017.09.29
  • 万能绿幕:骗过你眼睛的21个电影镜头

    电影工业发展到今天,数字技术使用很普遍了,只要有绿幕/蓝幕,就可以构建以前难以想象的人物和场景,电影魔术知名更加名副其实了!奇异博士 (2016)#p#e#爱丽丝镜中奇遇记 (2016)#p#e#神奇动物在哪里 (2016)#p#e#星球大战外传:侠盗一号 (2016)#p#e#星际迷航3:超越星辰 (2016)#p#e#银河护卫队 (2014)#p#e#自杀小队 (2016)#p#e#奇幻森林 (2016)#p#e#圆梦巨人 (2016)星球大战7:原力觉醒 (2015)#p#e#忍者神龟:变种时代 (2014)美国队长3 (2016)感觉这其实对演员的演技会有更高的要求吧!

    浏览:277 发布于2017.09.28
  • 如何拍摄动感十足的画面?13种稳定器带你解锁新姿势!

    今天,我们为大家带来了13种稳定器的拍摄技巧,可以帮助大家更好的拍摄动感画面,分分钟大片感走起!技巧1:推拉并用在需要突出画面拍摄主体时,推近镜头。需要强调拍摄背景时,拉远镜头。技巧2:善用视差角度即注重将拍摄主角从背景里分离出来,利用视差形成视觉上的扭转效应。技巧3:推拉并用+善用视差首先,为强调拍摄主角将摄影机拉近,利用视差,将其从背景中分离出来。随后,将摄影机拉远,强调画面拍摄的背景。技巧4:鼠眼视角即在拍摄过程中,降低摄影机的拍摄视角后,逐渐将视角拉近拍摄主体,使得拍摄主体看起来更为高大。技巧5:螺旋状推进此项操作需要两个人合力完成,其中一人利用遥控器远程控制稳定器(视频中使用的是大疆如影),使其保持螺旋式转动;另一个人则手持摄影机推进镜头。技巧6:圆形轨道式拍摄在拍摄过程中,以拍摄主体为中心,围绕其进行360°的圆形轨道拍摄。技巧7:空降式拍摄拍摄开始时,我们将镜头的角度对准拍摄物体的上方,随后转动云台方向轴,使镜头呈现出从上而下的降落效果。技巧8:地起式拍摄这种拍摄技巧与空降式拍摄刚刚相反。我们在开始拍摄时,将镜头对准地面,随后转动云台方向轴,使镜头呈现出从下而上的起升效果。技巧9:指尖到头顶简单来说,在开始时,我们将镜头对准拍摄主角的脚趾(或者手指),随后缓慢的将镜头移动至拍摄主角的头部。这样一来我们便可以完全捕捉拍摄主角的每一个细节。技巧10:起重机式拍摄在拍摄过程中,摄影师一般踩在木箱子上。首先,摄影师保持蹲下姿势,确保能够拍摄到地面,随后摄影师缓慢站起,并缓慢举起手臂,使摄影机高过头顶。技巧11:快速摇摄使用快速摇摄时,摄影机从一个角度迅速转向另一个角度,并且由此而引起影像模糊。很多人说,这种方法没有办法应用在稳定器上面(毕竟稳定器的方向轴是通过电子操控来实现的)。但在实际拍摄中,我们可以一手保持稳定器的稳定,一手转动稳定器的方向轴,使其可以快速切换到另一个画面视角。这样一来便可大大增强画面拍摄的动感。技巧12:汽车绑定即将摄影机和稳定器安装在车门下方。如此一来,你只要开动着你的车就可以得到汽车运动时的拍摄视角。技巧13:鸟瞰视角在这一操作过程中,我们利用撑杆,将摄影机隔空悬挂在拍摄主角的上方,从而得到鸟瞰俯视的拍摄效果。(本文转载于:微信公众号:影像麦客,原作者:影像麦客)

    浏览:316 发布于2017.09.27
  • 夜戏场景拍摄,灯光需如何设计布置?

    众所周知,在普通的夜戏场景拍摄中,灯光设计应该遵循现实逻辑(当然除了超现实主义题材)。在拍摄夜戏的时候,布光方面摄影师需要留意哪些问题呢?窗户的光线效果窗户的光线效果是需要重点考虑的。如果在画面中出现了窗户,需要用较强的背景光将其打亮(这些背景光需要比人物面部的主光亮2挡)。由于窗户是主要的逻辑光源,所以大部分光线以它为参照设计。除了用背景光打亮窗户,也可以在窗户对面的墙壁上制造一定的阴影来营造出窗外光线的感觉。灯泡场景中带有灯泡的道具(如台灯),其光亮应该比人物的面光强2—4挡,调光器可以有效地掌控场面的光线。若将场景中的道具换上大功率灯泡,便可以充当主光源,参与到光线造型当中。用照片放大机灯泡来替代日常家用灯泡,因为其色温更接近于3200K。靠近摄影机这边的灯罩需要调暗2~3挡,这样做是为了将人物面部和灯罩的光效区分开。摄影师可以在灯泡和灯罩之间放一小块麻布,或在灯罩内部贴上中性密度胶带。当然还有许多其他的方法可以让灯罩靠近摄影机的一面比较暗,同时也能让其发出的光线打亮人物面部。在拍摄场景中,若有电子烛台道具,可以在其发光中心贴一小块纸片,以此来降低白炽灯的亮度。若有必要降低整个灯泡的亮度,也可以在灯泡上喷洒一些Streaks’s N Tips(一种棕色或黑色的毛发喷雾)。喷雾的量要以能见到灯泡发光为准,该喷雾便于水洗,所以在实际拍摄中常用到。闪光灯也是片场常用的光线之一,MR-16型高亮灯泡可以用来充当闪光灯使用。现在剧组也使用功率更高的疝气灯(如suiefire公司的部分灯具,其使用锂离子电源供电)。由于闪光灯的光线会在场景之间来回反射,因此闪光灯的光线能照到白色反光平面上,便能更好地发挥其效果。场景中的道具灯需要一定的辅助光源,这样才能保证其产生一定的光源造型效果。例如,我们通常会在灯笼里安装一个灯泡,让其作为场景中的软光源。利用烛光布光注:烛光灯本身十分微弱,因此在实际拍摄中需要加上一些额外的光源。当演员面对蜡烛或其他比较微弱的光源时,有些摄影师便会使用辅助光,以便让蜡烛看上去更明亮。如果场景中有100支蜡烛,那么烛光会比较强烈,比较之下蜡烛的非火焰部分便会较为暗淡;若场景中只有25支蜡烛,那么烛身相较而言便比较明亮。另外,将燃烧的蜡烛置于深色背景的场景中,有助于增加其明暗的对比。下图中,场景中的主光源方向必须和烛光一致,为了营造真实感,该场景中只用了极少量的灯光。桌上的烛光可以通过顶光来模拟,两盏650W的菲涅耳灯作为该场景的主要光源。该布光之所以被称为'背交叉',是因为主光源在演员身后照到彼此的面部。两盏灯光之间需要呈现一定的角度,这样才能避免蜡烛的阴影透射到演员身上。通常两盏主光灯需设置成相同的亮度,因为在观众看来蜡烛是整个场景的唯一光源,故蜡烛的阴影应该被完全消除。因此,每盏灯的遮扉都要适当调整,以便于消除蜡烛的阴影。注意演员与背景之间的层次若能利用灯光区分开演员和背景,并呈现一些墙壁的细节,便会让整个场景显得很无趣,我们可以通过人工模拟透过窗户的月光来制作背景光,在菲涅尔灯前放置一个人造窗户便能制造出该效果。当然,也可以用真正的窗户或百叶窗来制作该光效。如果你拍摄的彩色片,便要注意蜡烛发出略显黄色的光是整个场景的主要光源,而透射在墙壁的月光则应略显苍白。上面的布光方法只是诸多布光方案的一种,不同的摄影师会根据自己的独特方式选择布光方法。但是,无论采用怎样的方法,灯光设置中最为核心的是让场景看上去合乎逻辑,每一盏灯都要有各自的目的。如果某些光效是非逻辑光源,但又必不可少(如上一个场景中的背景光),一般我们便会将其处理的十分微弱。总而言之,每一盏灯的使用都要合情合理。在烛光为主的布光场景中演员如果需要走位,便会增加布光难度。在这种情况下,演员需要用手持设备补光。可以使用安装有调光器的移动光源来模拟烛光的闪烁效果。若场景中的烛光或灯笼较大,此时道具师应该在灯笼或蜡烛后面加装一个小灯泡(电池供电或隐藏电线),或者使用有两个灯芯的特制蜡烛。烛光场景中如何获得足够的画面曝光度?影片《乱世儿女》中有很多真实地烛光场景,在该片中使用了一些三芯蜡烛,这样每支蜡烛发出的光亮便是传统蜡烛的3倍。如何模拟更大的火焰光源?如果要模拟更大的火焰光源,如壁炉,则需要将闪光特效透射到被摄物体上。可以在灯前面加一个有流苏的旗子,也可以通过反射贴有揉皱橘色锡纸旋转鼓面的闪光来获得类似效果。另一种方法是用一对橘颜色的灯共同找到一个散光灯罩中,让其随机混合成一束光线。你可以在这束混合光线前挥舞一些东西,哪怕是晃动手臂也行,这样便能形成壁炉火焰效果。另外,直接使用真实地火焰也是可行的,只是在该情况下,要特别留心火焰燃烧引起的烟雾。当演员在灯光前移动时,摄影师需要密切关注光效的变化。如果希望整个场景中保持固定的光照效果,可以分割纱罩安置在灯具前,这样演员在靠近主光灯时便不会觉得光效会突然增强。在拍摄过程中会出现一些不必要的阴影,演员、道具和话筒的阴影是最为常见的,由于浅色的墙壁更容易体现出阴影,所以演员一般都会与其保持一定的距离。地面上的阴影不太明显,一名演员有两个影子是可以接受的,但是影子太多便会削弱画面的现实感,因此需要提前设计好灯光,避免影子的干扰。例如调整珠光灯的角度和位置,既做到不改变演员的灯光效果,也能够消除话筒的阴影。

    浏览:364 发布于2017.09.26
  • 电影拍摄如何构图才能让画面更具张力?

    什么是构图技巧?首先,构图技巧的概念是什么?构图技巧描述的是导演在拍摄一场戏时,定位,组合,安排及观看被摄物体在画面内的位置的方式。也许导演结构了这样一个镜头,正面角色都在银幕的左边、反面角色都在银幕的右边,也许他会让摄影机稍微倾斜一些,以增加镜头的张力。今天小编就简单的从电影拍摄的摄影机高度、戏剧性角度、倾斜的地平线、大特写、三四人构图等几个方面给大家解析电影如何构图,才能让画面更具有张力!1、摄影机高度Camera Height摄影机的高度对于一个镜头的意义有相当大的影响。如果你只给观众展示一个人的脚,就会产生一种神秘感-他们是谁?这是一种很常见的技巧。如果没有展示人物的脸,只能通过人物的肢体动作知道他们在做什么,最后,当摄影机高度上升到角色眼睛的位置时,悬念才会消失,角色被展现出来。在观看影片《这个杀手不太冷》,在玛蒂达出场的时候,摄影机从下往上展现人物特点,场景中玛蒂达的晃悠的双脚,点着的烟,颓废的脸庞,对人物形象的进行了刻画,而且对之后的剧情发展也做了铺垫。 吕克·贝松《这个杀手不太冷》脚步特写 细节特写人物近景2、戏剧性角度Dramatic Angle戏剧性角度可以强化一场戏的情感冲击力。摄影机的低角度使得角色和物体仿佛很高大、很有力。摄影机的高角度一个被贬低的感觉—好像观众正在俯视他们。极端角度就是夸张了的戏剧性角度。极端的低角度可以起幅于被摄物的脚下,朝天拍摄。极端的高角度可能是在高耸的办公大楼上向下观看,俯瞰人类的渺小。鸟瞰视角是一种极端角度,就是把摄影机直接置于场景的上方、径直向下拍摄。《变形金刚4》低角度拍摄鸟瞰角度3、倾斜的地平线Tilted Horizon众所周知,地平线倾斜也叫做“德式倾斜”或者“倾斜角度”,倾斜的地平线一般指是的将摄影机稍微向一边倾斜,以增加镜头的张力。当存在醒目的水平条线和垂直的线条时,这个技巧最具表现效果,摄影机倾斜的角度会得到强化。因为我们的眼睛看任何物体都习惯直上直下,所以由于倾斜的地平线而产生的斜线会引起我们的注意。《第三人》影片从头到尾广泛使用了倾斜的地平线4、大特写Extreme Close-up简单来说,大特写一般是指将一个小的被摄物放大观看,使之充满整个画面。由于我们并不习惯于看到那些通过非常规手段被放大了的细节层面的东西,所以大特写就容易引人注意。让单一的特征充满画面,观众的注意力就被吸引到这个物体上,而排除了其余的一切干扰。大特写可以用来强调一个特别感兴趣的事情或者强调一个对话段落。《罗拉快跑》通过眼睛的大特写来转场罗拉和曼尼过往的镜头罗拉不甘的眼睛大特写罗拉的面部特写《穿普拉达的女王》开场不同女孩化妆的特写镜头切换眼部特写嘴部特写5、三人、四人构图3`s and 4`s三人、四人构图是一种很有效的技巧,它可以通过人们自然的眼神使一个场景中的被摄体之间彼此发生关联。出自天性的构图感觉通常使我们在看三角形的物体或者三个物体的组合时感到和谐。在演员不多的场景中,或者当表现两个演员时和一个物体、两个演员和背景的影像符号时,这种技巧非常有效果。在含有三个以上角色的更为复杂的场景中,把每一个演员分隔成各自独立的“三角群( triangle  group )  ”可能是一种有效的处理方法。如果你尝试拍摄一个有很多演员的场景,同时他们都在变换着位置,这种方法同样非常有用。当场景转换和改变时,密切注意这些三角群可以帮你保持一个合理的的构图。《他其实没那么喜欢你》三人构图主角以三角形构图站着讨论她们的感情问题

    浏览:393 发布于2017.09.26
  • 罗杰·迪金斯:成功摄影师必备的10条准则!

    大师级电影摄影师罗杰·迪金斯大家并不陌生,他曾获得10几次奥斯卡提名,《肖申克的救赎》、《美丽心灵》、《007:大破天幕杀机》和自《巴顿•芬克》以来几乎每一部科恩兄弟的作品都是由他拍摄的。不久前,我们分享过迪金斯如何玩转中景镜头的文章,这次分享他的经验、智慧和观点。向大师学习,从这10个贴士开始。迪金斯很乐意和其他摄影师交流并提出建议。他常常在网上论坛分享他的经验、技巧并给出建议。相信当你开始你的职业生涯或拍摄下一个作品时,这些有用的贴士将会帮助到你。用大师套路玩转最难拍好的中景镜头1、项目有选择性在你开始一项项目之前,确保这个项目真正是你想做的,确保这个项目是能让你信服的。罗杰·迪金斯在一篇BBC的文章中提到,要有选择地加入项目,因为你将要在这个项目上花费很长的时间。我一向对加入的项目很挑剔。但我经常被人物类的剧本吸引,我对动作电影并不是那么喜爱。仔细挑选一项你将加入的项目确实是很重要的,你将会在一个电影剧组待很长时间。2、照明的重要性灯光对电影摄影师来说是很重要的。你对一个场景的打光如何能很大程度上影响观众对这个场景的感觉。实际上,罗杰·迪金斯说好的灯光始于脚本,当你选择色彩和灯光的时候要牢记这个。和导演讨论场景并了解他们想让观众们从这个场景中获得些什么。拍摄下部片子前,你要考虑的照明问题所以说,你需要打亮一个场景以便让演员能被看见。但更重要的是,你的工作是在创造一种氛围,你创造了一个演员们能够栖居、观众们能被感染的世界,在任何一部优秀的电影中灯光都是最重要的部分之一。3、对纪录片敞开怀抱当拍摄纪录片时,你必须脚步灵活。在任何时刻动作都有可能发生,你必须要用镜头捕捉到,这也正是帮助罗杰·迪金斯职业生涯走向成功的因素。你使用可用的光来创造一个手头上已有的事物。它会教会你如何在最快时间内找到最佳拍摄和讲述故事的角度,要关注你眼前正在发生着些什么。4、贴近人物和故事在大师级的作品中,并不是每一个镜头都需要有令人瞠目结舌的运动。有时你需要控制它,回到最基本,允许让人物和故事来驱动叙事,并保持观众的参与。没有比镜头中的光或者其他傲慢的拍摄行为抓住人注意力更糟糕的了,可能会有人说‘天哪,这太棒了’或者说这是一个很棒的镜头,很棒的调度或其他什么。但是这对一个电影来说这并不是必需的——你从电影中跳出来了,你注意到了表面,并且你不再走进角色和故事了。5、不对表演妥协一言蔽之:为了获得完美的镜头,不要对演员的表演妥协。相反,你要在你能力范围内最好地拍摄演员作出的表演。你会发现(正如罗杰·迪金斯在之前采访中所说),杰出的表演能掩盖住不佳的拍摄。一部电影可能因为其他工作而看起来糟糕,但会因为优秀的表演而看起来不错。这是值得记住的一件事。传奇电影人特伦斯·马立克在拍摄表演上享有很高声誉。他和摄影师艾曼努尔·卢贝兹基在拍摄《生命之树》时允许演员自由地移动表演,正是这样他们拍摄到了想要的影像。虽然一些场景是故事板,但大多数的镜头都是在非常真实的电影风格下完成的。6、找到自己的风格你很可能有一两个喜欢的大师级电影制作人,但是你要确保不是直接抄袭人家,你需要将他们的技术结合到自己的风格中,同时努力寻找你的电影的拍摄路线。如何跟随顶级摄影师的脚步,走自己独特风格你不能通过复制我或任何人来学习你的技艺,我希望我所能做的是在某种程度上激励别人。如果把我的工作当作“做工作的正确方法”,那我会惊讶的。7、技术是好,但不要忘记你讲的故事电影摄影师需要走在技术的尖端。但有一件事比每技术或设备更重要:那就是故事。没有一个令人信服的故事,你所有令人惊讶的拍摄都会变得充耳不闻。 我知道视觉效果是非常重要的,毕竟这是一个视觉媒介,但它不只是一个镜头卡在小小黑色盒子的前面,它是关于操作它人的技术,更重要的是它的故事,你如何执行它才是真正重要的。罗杰·迪金斯有一个非常类似的理念,已经在多个场合提到过,作为一个摄影师,讲故事仍然是你需要记住的最重要的事。他指出,尽管技术日新月异的变化,但它的构图和讲述故事的方式从未改变。这对任何的电影摄影师来说都是重要的一课。8、明智的选景场地,场地,场地!!!重要的事情说三遍。你决定拍摄的场景对于最终屏幕上的影片呈现是非常重要的。如果你只有较少的预算,那么找到最佳位置将是你的关键。但即使你有充足的预算,这建议同样的适用。因为选景场地将决定你使用的镜头、灯光和摄影机的设置。如果你在灯光上没有足够的预算,那么我建议的场地选择是最重要的一点。你可以参考泰伦斯·马力克导演的影片,他的片子很少使用人工光。9、每部电影是导演的电影首先,摄影师需要知道电影是一个协作的艺术形式。在一天结束时,他们需要负责为导演设想下接下来的制作。那作为摄影师就要选择沉默吗,绝对不要。你应该参与并提供意见和建议,正如罗杰·迪金斯所说,“每部电影都是导演的电影,我们绝不能忽视这一点。”导演的摄影课10、融入社会,多交朋友作为一名电影摄影师或电影制作人,你永远无法通过自己获得更多更好的东西。你需要通过社交来与人多接触,这种做法也将有助你的工作,因为与人有良好的互动,你就可以把这些经验应用到你日后的项目中。我所想要做的就是拍摄静态的人,或者拍摄关于人的纪录片,并试着向观众表达有人在你旁边。你知道我的意思? 我们都是人。(文章参考:premiumbeat,由电影摄影师整理编译。)

    浏览:243 发布于2017.09.22
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